Im Bereich der Zombiekomödie gilt über lange Zeit der englische Film “Shaun of the Dead“ als das Maß aller Dinge. Doch mit einem hohem Budget, einer gut aufgelegten Besetzung und tollen Regie-Einfällen schlägt die USA fünf Jahre später zurück. “Zombieland” ist kommerziell äußerst erfolgreich und wird nicht ohne Folgen bleiben.

Ich liebe es…gnnaauuuhhharrgn!

Nachdem irgendwo in Amerika jemand in einen Burger beißt, der mit BSE verseucht ist, dauert es keine zwei Monate, bis aus der Rinderkrankheit eine landesweite Zombiekrankheit und aus den vereinigten Staaten das namensgebende Zombieland geworden ist. In dem von untoten Fast Food-Fans überrannten Land gibt es noch eine handvoll Überlebender, die ihre ganz eigenen Ziele verfolgen. Da wäre der junge Ohio, ein übervorsichtiger Phobiker, dessen erste Eroberung ihn gleich mal auffressen will. Er ist auf dem Weg in seine Geburtsstadt, um nach seinen Eltern zu suchen. Nach einem Unfall trifft er auf den durchgeknallten Tallahassee, der grundsätzlich jeden Zombie vermöbelt, der ihm über den Weg läuft. Als sie auf Tallahassees fanatischer Suche nach der Süßspeise “Twinkie” noch auf die kriminellen Mädchen Wichita und Little Rock treffen, ist die Gruppe komplett. Aber nur weil draußen die Untoten rumkriechen, muss man sich ja nicht gleich vertragen.

For whom the bell tolls

Das Regisseur Ruben Fleischer früher Musikvideos gemacht hat, sieht man seinem Erstling sofort an. Wenn Ohio am Anfang seine selbstverfassten Überlebensregeln vorträgt, wird das ganze mit einem optischen Effektfeuerwerk unterlegt, das seinesgleichen sucht. Auch in punkto brutalem Zynismus ist man nicht zimperlich. Leider wird die innovative Erzählweise schon sehr bald von einer recht herkömmlichen Optik abgelöst. Die Radikalität bleibt dabei etwas auf der Strecke. Puristen wird ebenfalls stören, dass die Gruppe sich in einer riesigen Villa häuslich einrichtet, ohne diese vorher zu durchsuchen oder gar zombiesicher zum machen. Doch das alles tut dem Spaß keinen Abbruch, denn für eine Komödie ist der Film immer noch drastisch und realistisch genug. Vor allem das Finale in einem zombieverseuchten Vergnügungspark dreht ziemlich an der Splatterschraube.

Zombieaction und Situationskomik

Weil Zombieland ursprünglich als TV-Serie geplant ist, stehen vor allem die erstklassigen Figuren im Mittelpunkt. Wie die verschiedenen Charaktere miteinander klar kommen müssen, darum dreht sich die Geschichte. Schüchtern, durchgeknallt, hinterhältig: Was da aufeinanderprallt bietet viel Potential. Und allein schon Woody Harrelson als Twinkie-besessener Draufgänger ist ein Fest. Ein wirklich gelungener Mix aus drastischer Zombieaction und Situationskomik.

Trailer (englisch)

Text: S. Werner

Und weil es in dem Film explizit um die Halloween-Nacht geht – um ihre Bräuche und was dabei alles so passieren kann – heisst der Film dann auch “Trick ‘r Treat“. “Trick or Treat“ ging nicht, weil dieser Titel schon an einen obskuren Film aus dem Jahre 1986 vergeben ist, in dem ein Teenager über eine LP mit dem Geist eines verstorbenen Rockstars kommunziert (u.a. mit Gene Simmons und Ozzy Osbourne). “Trick ‘r Treat“ ist jedoch ein Horror-Episodenfilm und erinnert an legendäre Vorbilder wie “Creepshow“ von Stephen King und George Romero. Er erzählt fünf Geschichten, die sich alle am Halloween-Abend in einer amerikanischen Kleinstadt ereignen.

Ein junges Mädchen ist im Rotkäppchen-Kostüm auf der Suche nach ihrem ersten Mal: Das verläuft jedoch anders, als vom männlichen Partner gedacht. Vier Teenager hecken einen makaberen Streich aus: Das werden sie bereuen. Ein finsterer Halloween-Muffel verjagt alle Trick or Treat-Kinder: Da klopft es an der Tür. Und diesmal wird sich der Gast nicht so schnell abweisen lassen. Für viele der Protagonisten endet die Geschichte auch an diesem Abend. Und zwar für immer!

Die einzelnen, lose miteinander verknüpften Episoden sind kurze, stark pointierte Geschichten im Stile von “Geschichten aus der Gruft“. Über all dem wacht der Geist von Halloween, der z.B. dafür sorgt, dass die zickige Freundin die Halloween-Deko nicht zu früh abbaut. Da wird er schonmal handgreiflich. Wenn es sein muss mit einem gezackten Lutscher. Immer wieder kreuzen sich die Darsteller der einzelnen Episoden, so dass auch nach mehrmaligem Sehen noch einige Entdeckungen und Aha-Effekte bereit gehalten werden.

Das alles macht “Trick ‘r Treat” zu einem äußerst unterhaltsamen Halloween-Film. Wer Geschichten im Stil der alten EC-Comics und “Tales From The Crypt” mag und gerne sieht, wie fette Jungs mit vergifteten Süßigkeiten getötet werden, sollte unbedingt einen Blick riskieren!

Trailer (englisch)

Text: A.Hartung

Die ambitionierte Nachwuchsreporterin Ángela dreht des Nachts, während die braven Bürger in ihren Betten schlummern, die Fernseh-Life-Reportage “Während sie schlafen“. Darin begleitet sie die nachts arbeitende Bevölkerung mit der Kamera und hofft, dass etwas Aufregendes passiert.

So dreht sie auf einer Feuerwehrstation den leeren Essensraum, moderiert die Feuerwehrrutschstange an und wartet auf einen Notruf, um ein wenig richtiges Leben in die Reportage zu bekommen. Als dieser dann endlich eintrifft, scheint sich das für das zweiköpfige Fernsehteam als ein echter Glücksfall zu erweisen. Eine alte, fast unbekleidete Frau hat sich schreiend in ihrer Wohnung eingeschlossen. Als die Feuerwehrleute mit einer Polizeistreife in die Wohnung eindringen, fällt die offensichtlich geistig verwirrte und blutverschmierte Frau den leitenden Polizisten an und beißt ihn in den Hals.

Besser hätte es nicht kommen können! Erst noch überglücklich über die Bilder aus dem richtigen Leben, muss das begeisterte Fernsehteam nebst alarmierten Hausbewohnern bald darauf feststellen, dass jemand die Haustür abgeschlossen und die Gesundheitsbehörde beschlossen hat, dass Haus unter Quarantäne zu stellen und mit Sicherheitsfolie zu umwickeln. Falls jemand versuchen sollte, dennoch ins Freie zu gelangen, werden radikale Gegenmaßnahmen angedroht. Nicht ohne Grund, wie sich bald herausstellt. Scheint doch ein aggressiver Virus unter den Hausbewohner zu kursieren, der kurz nach der Infizierung zum blutrünstigen Wahnsinn führt. Und es sind nicht die langsamen Zombies!

Geringe Mittel -Maximale Wirkung

“Rec” ist ein kleiner feiner spanischer Streifen, der mal wieder zeigt, dass man auch mit geringen Mitteln überzeugende und mitreißende Horrorfilme drehen kann. Das liegt nicht unwesentlich an dem pseudo-dokumentarischen Stil des Filmes. Die Geschichte wird, wie in  “Blair Witch Project“ nur über die Bilder des Kameramanns erzählt, was gerade den Actionszenen einen bedrohlichen Realismus und atemberaubendes Tempo verleiht. Und zwar so sehr, dass dem Betrachter schon mal schwindelig werden kann!

Ein weiterer Pluspunkt für “Rec“ ist das Ende mit einem überraschend schaurigen und düsteren Finale. So erfindet der Film das mittlerweile doch arg ausgelutschte Zombie-Genre zwar nicht neu, kann aber mit seiner realistischen Wackelbildästhetik wenigstens für kurze Zeit frisches Blut in den untoten Patienten pumpen (und das macht einen 1 Euro in die Phrasenkasse!)

Es existiert bereits ein amerikanisches Remake namens “Quarantäne“, welches so schnell gedreht wurde, dass es bei uns zeitgleich mit der DVD-Veröffentlichung von “Rec“ in die Kinos kam. Ein Nachfolger von “Rec“ unter dem selben Regie-Team ist bereits in Arbeit. Naja, die Regel: „Wenn es am Schönsten ist, soll man gehen“, hatte in der Horrorfilmbranche noch nie viele Freunde.

Text: A.Hartung

Trailer (deutsch):

1959 | 79min | FSK 16

Fast jede Woche laufen sie im Fernsehen: Ranking-Shows. Die 100 besten Popsongs aller Zeiten, die 100 nervigsten Bands aller Zeiten, die 100 beklopptesten Prominentenkinder (aller Zeiten) und die 100 lustigsten Klammerformen (aller Zeiten). Nur über den schlechtesten Regisseur oder Film (aller Zeiten) wird nie abgestimmt. Wozu auch?! Ist der Thron doch seit Jahrzehnten besetzt. Es regiert und herrscht seine Majestät Edward D. Wood, Jr (1924 – 1978) mit seinem Meisterwerk: “Plan 9 from Outer Space“.

Regisseur aus Leidenschaft

Ed Wood ist Regisseur aus Leidenschaft. In seinen Filmen fungiert er oft gleichzeitig als Produzent, Drehbuchautor und Regisseur. Sein erstes Theaterstück inszeniert er mit 11 Jahren an der Schule. Nachdem er im 2.Weltkrieg zweimal verwundet wird, lässt er sich in Kalifornien nieder und versucht im Filmbusiness Fuß zu fassen. Aufgrund seiner Weigerung, mit den Studios zusammen zu arbeiten (da er an einem potentiellen Hit selbst verdienen will) und sicherlich auch wegen fehlender Verbindungen ist Ed fast immer auf Geldgeber außerhalb der Filmszene angewiesen. Um sich herum versammelt er eine bizarre Gruppe von Mitarbeitern, welche die “Plan 9“ Darstellerin Vampira einmal recht selbstkritisch als Hollywood-Losers bezeichnet.

In seinem ersten vollendeten Film “Glen or Glenda“ (aka “I changed my Sex“, “He or She“) 1953 verarbeitet er seine Neigung, Frauenkleider zu tragen. Die Hauptrolle übernimmt Wood, der eine starke Vorliebe für Angora hat, konsequenterweise gleich selbst. Auch im Alltag trägt er durchaus mal Frauenkleider, erscheint zum Treffen in 3 Tage-Bart, Minirock, Angorapullover und hochhackigen Schuhen. Das Gerücht, dass Ed nur in Frauenkleidern Regie führt, geht zum großen Teil auf diesen Film zurück. Kurz darauf freundet er sich mit dem legendären und zu dieser Zeit bereits drogenabhängigen Dracula-Darsteller Bela Lugosi an. Wood lässt ihn einige Monologszenen einsprechen, die er dann nachträglich in den Film schneidet, kombiniert mit Bildern aus dem 2.Weltkrieg und Aufnahmen von Büffelherden.

Nach dem Thriller-ähnlichen Film “Jail Bail“ dreht Ed Wood den Horrorfilm “Bride of Monster“, welcher als einer der Filme mit den meisten Anschlussfehlern (aller Zeiten) gilt. In “Bride of Monster“ spielt erstmals der Ex-Wrestler Tor Johnson in einem Wood Film mit. Dessen Gesicht ist bis heute eine der meist verkauften Halloweenmasken (aller Zeiten). Während Wood seinen nächsten Film plant, stirbt sein Star Bela Lugosi.

Graverobbers from Mars oder „Jemand ist dafür verantwortlich!“

Zum Glück hatte Ed jedoch vorher einige Aufnahmen des Altstars gemacht, die er nun in seinem neuen Film “Plan 9 from Outer Space“ (ursprgl. “Graverobbers from Outer Space“) verwendet, der so posthum zu Lugosis letztem Film wird. Um eine Finanzierung durch den religiösen Geschäftsmann J. Edward Reynolds zu erreichen, lässt sich ein Großteil des Filmteams taufen.

Der Film erzählt von einer Gruppe menschenähnlicher Außerirdischer, welche darauf bestehen, von der Menschheit in ihrer Existenz anerkannt zu werden. Zu diesem Zweck haben sie den famosen Plan, die Toten wieder zum Leben zu Erwecken. Damit sollen die Lebenden dermaßen beeindruckt werden, dass sie nicht mehr die Augen vor der Existenz der Außerirdischen verschließen können.

Eine der zuvor mit Bela gedrehten Szenen auf einem Friedhof verwendet er ganze drei Mal im Film. Legendär auch die Szene, als Bela aus einem Haus (im richtigen Leben, dass von Tor Johnson) tritt. Der Offsprecher verkündet, dass der alte Mann beschlossen hat, Selbstmord zu begehen. Als Bela aus dem Bild tritt, wird dieses eingefroren und das Quietschen eines Autos erklingt. Derweil ist Bela Lugosis Schatten aber noch gut sichtbar auf dem Rasen zu sehen (siehe Bild rechts). Den Rest von Lugosis Rolle übernimmt Ed Woods Chiropraktiker Tom Mason, der sich bei seinen Auftritten einfach immer einen Umhang vor das Gesicht hält.

Da Wood kein Geld hatte, um einige der am Tag gedrehten Nachtszenen nachdunkeln zu lassen, wechselt das Licht bei einer nächtlichen Verfolgungsjagd ständig von Tag zu Nacht. Das innere des Raumschiffes besteht zum großen Teil aus einem Vorhang mit einem Schreibtisch und blinkenden Küchengeräten. Lange Zeit wurde angenommen, dass es sich bei den fliegenden Untertassen im Film um Autoradkappen handelt. Entweder der Marke  Chevy oder Cadillac. In der Dokumentation “Flying Saucers of Hollywood“ wird jedoch erklärt, dass Ed Wood selbst in einem Interview erzählt hätte, es würde sich um kleine Spielzeugmodelle aus dem Bastelladen handeln. Gern bestätigt er aber auch die Geschichten mit den Radkappen, da er die Idee gut findet.

“Plan 9 from Outer Space“ hat nur ein kurzes Zwischenspiel im Kino. Anschließend dreht Ed noch einen weiteren Horrorfilm, ist dann aber zunehmend gezwungen, sich sein Auskommen mit Geschichten für Groschenromanen (u.a. unter dem Pseudonym Angora Peters) und dem Drehen von Filmen für eine Reihe namens: “Die Enzyklopädie des Sex“ zu verdienen. Sogar einen Hardcore-Film soll er gemacht haben. Daran zerbrach Ed Wood, der auch ein Quartals-Alkoholiker war. Er stirbt völlig mittellos in der Wohnung eines Freundes. Zu seinem Tod gibt es keine Zeitungsnotiz. Seine Asche wird im Meer verstreut.

Der schlechteste Film aller Zeiten?

Noch zu Woods Lebzeiten wird “Plan 9 from Outer Space“ mehrmals im Fernsehen gezeigt. Wood rief dann immer alle seine Freunde an, um sie darauf hinzuweisen. Richtig populär wird der Film aber erst, als er in dem von den Brüdern Medveds herausgebenen Buch “The golden Turkey Avard“ von den Lesern zum schlechtesten Film aller Zeiten gewählt wird. Anfang der Neunziger widmet Tim Burton ihm eine liebevolle (wenn historisch auch nicht ganz korrekte) Filmbiografie mit Johnny Depp in der Hauptrolle.
Und: Natürlich ist “Plan 9 from Outer Space“ nicht der schlechteste Film aller Zeiten. Denn er ist schließlich äußerst unterhaltsam und das ist mehr als man über die meisten Filme sagen kann. Lang lebe der König!

Text: A.Hartung

Trailer:

Trailer “Bride of Monster” (englisch)

Trailer “Plan 9 from Outer Space” (englisch)

Links:

The Home of the Church of Ed Wood
Ed Wood Unofficial Homepage
Ed Wood bei IMDB

Gute Teamarbeit will, wie jeder erfahrene Manager weiß, in Geländespielen erprobt und gefestigt werden. Die Teammitglieder sollen ihre Egos überwinden und bemerken, dass sie nur als Teil eines großen Ganzen zum Erfolg gelangen. Auf diese lehrreiche Prozedur darf sich auch ein Team des britischen Rüstungskonzerns Palisade freuen, das nach erfolgreichem Abschluss eines Projektes mit einem Wochenende auf der neu erworbenen Firmendatsche mitten im jugoslawischen Wald belohnt werden soll.

Als die Straße plötzlich durch einen umgestürzten Baum versperrt ist, weigert sich der Busfahrer standhaft, einen Umweg zu fahren. Der kurze Versuch des (sehr britischen und) leicht überforderten Teamleiters, sich mit Führungsqualitäten durchzusetzen, endet mit dem Rauswurf des Teams, welches sich ab sofort den Weg zur Hütte alleine und zu Fuß suchen kann. Diese stellt sich als wahre Bruchbude heraus („Was habt ihr erwartet? Das Hilton?“). Die ohnehin schon recht labile Motivation sinkt auf den Nullpunkt und verbessert sich auch nicht wesentlich, als ein menschlicher Zahn im Abendessen gefunden wird und des nächtens fremde Männer in zwei Meter Höhe ins Zimmer eines weiblichen Teammitgliedes blicken. Als ein Teil des Teams daraufhin abreisen will, finden sie auf der Suche nach einer handykompatiblen Zone nur den Bus nebst arg zugerichtetem und sehr sehr totem Busfahrer. Zur selben Zeit stellt der andere Teil des Teams beim Teamspiel fest, dass man in einem Wald voller Bärenfallen gern mal ein Bein verlieren kann und dass nächtliche Spanner ab sofort ihr kleinstes Problem sind. Vielleicht hätten sie den Akten, die sie im Keller des Hauses fanden, doch mehr Beachtung schenken sollen? Denn es sieht ganz so aus, als würden hier ein paar Irre herumlaufen, die noch ein Hühnchen mit Palisade zu rupfen haben.

“The Severance“ ist eine jener kleinen Perlen, die man im Horrordurchschnittseinerlei nur selten findet. Ausgestattet mit fiesem englischen Humor, kippt der Film nie gänzlich in die Parodie oder Komödie. Die Atmosphäre ist dreckig und gemein, die Charaktere eine prächtige Klischeeversammlung und wahre Freude. Vor allem Teamchef Richard. Man weiß schon nach wenigen Minuten: Es ist unwahrscheinlich, dass dieses “Team“ überhaupt jemals eine Aufgabe gemeinsam gelöst hat.

Trailer (englisch):

Text: A.Hartung

1986 | USA | 95min | FSK18

In Tarker Mills steppt der Bär
.. naja, eher wohl nicht. Zumindest kein Bär. Aber dazu später. Die verschlafene amerikanische Kleinstadt Tarker Mills ist die Heimat von Marty Coslaw (Corey Haim) und seiner Familie. Dem gehbehinderten Jungen scheint sein trauriges Handicap nicht sehr zu stören – zumindest lässt er sich seine Unzufriedenheit nicht ansehen, während seine Familie alles daran setzt, den Jungen in Watte zu packen. Seiner Schwester Jane (Megan Follows) dagegen, ist der kleine Bruder doch manchmal ziemlich lästig, da sie zumeist die Aufgabe der Nanny übernehmen muss. Onkel Red (Gary Busey) ist für Marty jedoch der Rettungsanker im goldenen Käfig. Das schwarze Schaf der Familie ist immer offen für lausbübische Vergnügungen der etwas anderen Art und bastelt eines Tages für seinen Neffen, natürlich im Unwissen seiner überbesorgten Anverwandten, das coole und pfeilschnelle Rollstuhl-Motorrad „Silver Bullet“.

Wenn der Werwolf zweimal heult

Eines, auf einen Vollmond folgenden, Tages im Januar wird in Tarker Mills die Leiche eines stadtbekannten Trinkers neben den Eisenbahngleisen aufgefunden. Dieser fehlt unbequemerweise der Kopf. Man glaubt zunächst an einen Unfall und hakt die Sache ab. Doch schon bald wird das öde Nest Zeuge einer bestialisch brutalen Mordserie, die es in Angst und Schrecken versetzt. Auffällig ist dabei, dass die Opfer übelst zugerichtet werden und das Ganze erstaunlicherweise in Vollmondnächten passiert.

Das kann ins Auge gehen
Marty ist geschockt, als es auch seinen besten Freund Brady erwischt – so wahnsinnig geschockt, dass er sich bald darauf enorme Sorgen um das Feuerwerk am 4.Juli macht, dass aufgrund der Morde kurzerhand von der Stadt abgesagt wird. Also beschließt Marty sein eigenes, von Onkel Red verständnisvoll gesponsertes, Leuchtraketen-Fest zu inszenieren. Dazu macht er sich eines Vollmondnachts (wie dämlich!) in den nahen Wald auf (noch dämlicher!) und lässt die bunten Feuerwerkskörper in die Luft zischen (in Dämlichkeit nicht mehr zu toppen!). Das passt dem ortsansässigen, blutlächzenden Killer natürlich gar nicht und just in dem Moment, als der zottige Geselle den Jungen schon fast erreicht hat, schießt dieser ihm (gar nicht mehr so dämlich!) eine Rakete ins Auge. Marty macht sich, mit Hilfe seines Feuerstuhls, blitzschnell auf den Heimweg und ist von nun an überzeugt, dass der Mörder ein leibhaftiger Werwolf ist. Natürlich fällt es ihm schwer, seine Schwester und seinen Onkel davon zu überzeugen. Doch Jane glaubt ihm ein wenig und sucht daraufhin bei einer Pfandflaschen-Sammelaktion die ganze Stadt nach einem Menschen mit einem verwundeten Auge ab… und siehe da, der allerorts beliebte Reverend Lowe (Everett McGill) bevorzugt neuerdings Piratenlook mit Augenklappe.

Währenddessen macht sich eine wütende Meute Einheimischer daran, das „Untier“, hinter dem immer noch ein wahnsinniger Serientäter vermutet wird, zu fangen. Leider werden die Jagenden aber ganz fix selbst zu den Gejagten und kurz darauf ist eine kombinierte Trauerfeier notwendig. Marty hat wiederum seine eigene Methode, dem Unhold auf den Werwolfspelz zu rücken und versucht es erst einmal mit fiesen Erpresserbriefen, in denen er dem heiligen Mann den Freitod ans Herz legt. Zur Sicherheit muss Onkel Red widerwillig die silbernen Halsketten der Geschwister zu einer Silberkugel einschmelzen lassen. Der Reverend ist über eine solch dreiste Direktheit natürlich „not amused“ und beschließt, dem kleinen Querulanten die Suppe zu versalzen. Schließlich ist doch ein hilfloser Rollstuhlfahrer eine leichte Beute, oder?

… Regen, Schnee und Sonnenschein und der Vollmond schaut herein

So schließt das Vorwort der schaurig-schön von Bernie Wrightson illustrierten Stephen King Kalendergeschichte “Das Jahr des Werwolfs“ (“Cycle of the Werewolf“) von 1983, die zwei Jahre später die Vorlage für den Dino de Laurentiis Streifen “Der Werwolf von Tarker Mills“ (“Silver Bullet“) liefert.

King selbst schreibt das Drehbuch und so lässt sich bezüglich der filmischen Umsetzung einfach wieder einmal nicht leugnen, dass es sich um eine typische Adaption der King’schen Schreibkunst handelt – nicht wirklich überzeugend, nicht wirklich story-treu und nicht wirklich erfolgreich, obwohl der Streifen 1985 trotz aufwändiger, aus heutiger Sicht natürlich angestaubter, Effekte ca. sieben Mio Dollar verschlingt. Aber was macht den “Werwolf von Tarker Mills“ trotz allem zu etwas Besonderem? Das Geheimnis liegt in der Einfachheit der Geschichte. Ein Werwolf in einer öden, spießigen Kleinstadt – ein, für den Zuschauer nachvollziehbarer, Mikrokosmos aus Schwarz, Weiß und ganz viel Grau. Schlicht und daher überzeugend haarsträubend. Gute Spannungsmomente verteilen sich, genau abgestimmt und mit Splatter-Einlagen garniert, über die ganze Story. Der Humor kommt nicht zu kurz und nimmt zum Teil satirische Ausmaße an. Leider wird diese Qualität nicht bis zum Schluss durchgehalten. Das Finale ist extrem schwach, zu schnell und absolut voraussehbar. Ein weiteres Manko ist die schauspielerische Leistung der Darsteller, die zuweilen etwas gefühlsarm wirkt, obwohl der Hintergrund der Geschichte ausreichend Stoff für ein tränenreiches Drama bieten würde.

Fazit:

Ein spannender Horrorfilm des Werwolf-Genres mit liebevollen Splatter-Elementen, der recht unbeachtet in den DVD Regalen der Kaufhäuser schlummert – unbeachtet, aber nicht unbeachtlich. Denn obwohl “Der Werwolf von Tarker Mills“ sicherlich kein Klassiker-Niveau besitzt, bietet dieser jedoch genug Atmosphäre, um in Halloween-Nächten prächtig zu unterhalten – und das am besten uncut und mit viel Popcorn.

Trailer:

Text: Cornelia Weidmann

1967 | GB, USA | 107min | FSK12

Hoppla, das Symboltier der MGM – der Metro Goldwyn Mayer Löwe – verwandelt sich plötzlich in einen grünen Comic-Vampir und Blutstropfen von seinen Zähnen benetzen die eingeblendete Auflistung der Cast & Crew des Films. Das ganze untermalt vom eigentümlichen Chorgesangs-Intro des einprägsamen und zugleich phantastischen “Tanz der Vampire“-Soundtracks des jazz-inspirierten Komponisten Krzysztof Komeda (“Rosemaries Baby“). Das geht ja schon mal gut los, oder?

Knoblauch schadet der Libido und Windmühlen gibt’s hier nicht

Professor Abronsius (Jack MacGowran) ist vom Pech verfolgt. Erst verliert der betagte, krummbeinige Vampirforscher seinen Lehrstuhl an der Königsberger Universität, da seine Kollegen die wilden Theorien über die mögliche Existenz von Blutsaugern verlachen und dann erfriert der unverstandene Wissenschaftler auch noch beinahe, als er aus Frust eine Expedition ins winterliche Transsylvanien unternimmt. Mit dabei, sein getreuer, liebenswert vertrottelter Assistent Alfred (Roman Polanski), der sich nur beim bloßen Gedanken an Vampire die langen Unterhöschen nass macht. Genau das macht das Publikum ebenfalls, allerdings aus anderen Gründen, denn bei der folgenden Geschichte bleibt kein Auge trocken. Nachdem der Professor im transsylvanischen Gasthaus der Familie Shagal zwischen schnapsnasigen Einheimischen, einer vollbusigen Magd und reichlich Knoblauchzöpfen wieder aufgetaut wird, erwecken Letztere natürlich sofort das Interesse des Gelehrten. Jeder gebildete Vampirologe erahnt beim Anblick einer ungewöhnlichen Anzahl dieser Gewürzknollen selbstverständlich, dass blutsaugende Nachtschwärmer nicht weit sein können! Auf sein Nachfragen, ob sich vielleicht ein Schloss in der Nähe befinden würde, reagiert der Wirt auffällig „unauffällig“ und faselt über nicht vorhandene Windmühlen, was das Misstrauen des Professors schürt. Nicht zuletzt das Auftauchen des buckligen Koukol verleiht Ambronsius die Gewissheit, dass es in der Nähe Vampire geben muss – also versucht er daraufhin, diese ausfindig zu machen.

Komm in meine Badewanne

Alfred dagegen, richtet seine volle Aufmerksamkeit auf ein ganz anderes Objekt der Begierde. Sarah (Sharon Tate), die sirenenhaft schöne Tochter der Shagals, und ihre unwiderstehliche Badesucht haben es ihm angetan. Die Zuneigung zu der rothaarigen Wirtstochter wächst bei Alfred zu einem zarten Pflänzchen der Liebe heran, doch dann passiert das Unfassbare. Sarah wird von einem Vampir, natürlich während des alltäglichen Bads, effektvoll schaumspritzend entführt. Einzig eine Blutspur bleibt auf den reinweißen Blubberblässchen zurück. Alfred ist entsetzt und der Professor entzückt… nun hat er eine handfeste Spur! Nachdem aber auch noch der Wirt, der sich in seinem Kummer rettend auf den Weg zum Schloss macht, als ausgesaugtes Opfer zurückkehrt und sich nach alter Manier erstmal über die hübsche Magd hermacht, brechen die unerschrockenen Vampirjäger auf, um der Sache auf den Grund zu gehen.

Besser Fledermäuse auf dem Dach als Engel im Zimmer

Es dauert nicht lange und sie befinden sich im Schloss des Grafen Krolock (Ferdy Mayne) und seiner Tochter… ups, Pardon… seinem Sohn Herbert, welcher sofort ein Auge auf den armen Alfred wirft. Den Graf dagegen fasziniert die Möglichkeit des geistigen Austauschs mit Professor Ambronsius, da es in der transsylvanischen Einöde zum Leid des Grafen nicht viel Gehirnzellen-Anregendes für einen gebildeten Aristokraten seiner Güte gibt. Die Adligen geben zwar anfangs ihr kleines Geheimnis der Vorliebe für Blut nicht preis, aber für den Professor ist es selbstverständlich nur eine Frage der Zeit, bis diese Maske fallen gelassen wird. Als der schützende Tag hereinbricht machen sich die beiden Gäste auf die Suche nach der Gruft und tappen dabei von einem Missgeschick in das andere. Nur so viel: Vampire werden dabei jedenfalls nicht erlegt. Alfred findet zumindest seine Sarah wieder, die sich so gar nicht auf die Flucht begeben will und sich schon auf den großen Ball freut. Genau das ist auch das Stichwort zum Auftakt für das grandiose finale Spektakel, bei dem die Vampire tanzen und ein Happy End wahrscheinlich ist… oder vielleicht doch nicht?

Ein Geniestreich aus der Flower Power Gruft

Roman Polanski (“Rosemaries Baby“, “Frantic“, “Der Pianist“), nicht nur Protagonist, sondern auch gleichzeitig Drehbuchautor und Regisseur dieses wundervollen komödiantischen Vampir-Klassikers von 1967, greift absolut jedes Klischee auf und setzt es in Lachmuskel attakierende Komik um. Die erdachten Figuren seiner liebevoll inszenierten Persiflage auf das Horrorfilm-Genre wirken nicht oberflächlich und steif, auch wenn man eigentlich kaum etwas über sie erfährt, sondern warm, urkomisch und lebendig. Der Zuschauer erfreut sich an gekonnten Slapstick- Einlagen vom Feinsten, bei denen keine Nummer in die Plattheit abrutscht. Wunderbare Kulissen, die zwar als solche erkennbar sind, aber der “gruseligen Stimmung“ keinen Abbruch tun, und prachtvolle Ausstattung verwöhnen in ihrer bunten Vielfalt das Auge. Sie verleihen der hervorragenden Spielkunst der Akteure das i-Tüpfelchen, wie das Topping auf einer bunten, leckeren Eistüte und genau wie eine solche, kann man sich diese Gruselkomödie mit ausreichend Abstand immer wieder zu Gemüte führen.

Fazit

Man könnte “Tanz der Vampire“, auch wenn der folgende Begriff schon etwas abgedroschen klingt, als absoluten Oberkult bezeichnen, denn das stellt dieser alte Prunk-Schinken der Filmkunst, auch noch im 21.Jahrhundert dar – und das nicht nur für Vampir-Liebhaber. Dieser bedarf keiner synthetische Computer-Action, keinem blutspritzenden und Dickdarm schwingenden Killer. Als begeisterter “Tanz der Vampire“ Zuschauer braucht man nur Spaß an der Freude, eine Packung Kleenex für die Lachtränen, die Mitternachtsstunde für die Stimmung und los kann’s gehen. Zu empfehlen wäre besonders die englische Originalfassung, da in der deutschen Synchronfassung gewisse Fehler unterliefen, über deren Ursache man wild spekulieren könnte, aber Tatsache ist, dass bei Polanski ein Kreuz beispielsweise nur gegen ehemals christlich gläubige Blutsauger hilft und nicht gegen vorhergehend jüdische Vampire. Zusätzlich sollte man ruhig anmerken, dass der Film nur kleinere Schockelemente bietet und, für einen Vampir-Streifen ganz und gar untypisch, mit einigen wenigen Spritzern Kunstblut auskommt, so dass dieser durchaus für kleine Vampirfans geeignet ist.

Die Vampire tanzen wieder – das Grusical

Während Michael Kunze in den 90ern für die Texte zuständig ist, schreibt Song- und Musical-Komponist Jim Steinman (u.a. Meat Loaf, Bonnie Tyler) die berauschende Musik zum deutschsprachigen Erfolgsmusical “Tanz der Vampire“, das 1997 in Wien uraufgeführt wird. Unter der Regie von Roman Polanski entsteht ein musikalisch pompöses Rock-Pop-Bühnenstück, welches mit einem minimalistischen, jedoch trotzdem beeindruckend durchdachten und faszinierendem Bühnenbild aufwartet. Das Musical basiert auf dem Film von 1967, wird aber an vielen Stellen noch mit Feinheiten ergänzt, auf die besonders Roman Polanski viel Wert legt. Beispielsweise wird bei Familie Shagal (im Musical “Chagal“) der jüdische Glaube liebevoll hervorgehoben, die Romanze zwischen Alfred und Sarah besonders betont und die Vampire mehr oder weniger als erotische Verführer dargestellt, auf deren Libido der Knoblauch sehr abstoßend wirken muss. 2008 macht das Musical nach 1 ½ Jahren Spielzeit im Berliner Theater des Westens eine achtmonatige Pause und feiert im November des gleichen Jahres die Premiere in Oberhausen.

Wunderbare Sharon

Sharon Tate gelingt 1967 mit “Tanz der Vampire“ ihr internationaler Durchbruch. Roman Polanski und die texanische Venus kommen sich im Laufe der Dreharbeiten näher, so dass 1968 nach einer Zeit der “wilden Ehe“ auch geheiratet wird. Sharon Tate gilt als Stil-Ikone der Swinging Sixties und ist Lieblingsobjekt der Fotografen und Modemacher. Auch die Klatschpresse findet immer wieder Gefallen am ungleichen Ehepaar Tate/Polanski. Doch keiner ahnt zu diesem Zeitpunkt welche Tragödie sich nur ein Jahr später um Sharon abspielen wird, welche zudem 1969 freudig ihr erstes Kind erwartet. Die Schauspielerin, ihr ungeborenes Kind und sechs weitere unschuldige Menschen werden Opfer eines der vielen grausamen Massaker der Charles Manson Family, welche zu dieser Zeit die Welt erschüttern. Dieses tragische Ende erschuf einen Mythos um die Schauspielerin, der leider die Seite der talentierten Darstellerin (1967 wurde sie für “Das Tal der Puppen“ für den Golden Globe Award als beste Nachwuchsdarstellerin nominiert) und die der intelligenten modernen Frau mit einem traurigem Schatten überdeckt. In “Tanz der Vampire“ kann man sich mit einem Lächeln an die Komödiantin Sharon Tate erinnern. Vermutlich würde sie sich daran erfreuen, dass sie auch noch über 40 Jahre später die Menschen zu begeistern vermag und damit unvergessen bleibt, wo immer sie jetzt auch ist…

Text: Cornelia Weidmann

Link zum Musical:

http://www.tanz-der-vampire.de/

USA | 1981 | 70min | uncut 85min | FSK 16 | uncut Version FSK18

Na dann schönes Wochenende

Fünf junge Erwachsene, darunter ein Pärchen, machen sich auf den Weg, um einige schöne Tage in einer abgelegenen Hütte im Wald zu verbringen. Alles läuft wie geplant und sie genießen eine unbeschwerte Zeit, in der sich die Gruppenmitglieder näher kommen, bis sie ganz unerwartet einen seltsamen Fund machen. Die Truppe entdeckt im Keller des Hauses zwei Dinge aus dem Besitz des vorherigen Bewohners: ein Buch sowie ein Tonbandgerät. Auf letzterem befinden sich die Tagebucheinträge eines Wissenschaftlers, der das Buch Naturon Demonto (Das Buch der Toten) analysiert und daraus vorliest. Kaum dass die Worte den Lautsprecher verlassen, regt sich das Böse in den Wäldern rund um die kleine Holzhütte, mitten in Tennessee. Es ergreift nacheinander Besitz von den Ahnungslosen, die daraufhin fleißig dezimiert werden.

Mit der Kamera über Stock und Stein

Sam Raimi (“Der Fluch“, “Spiderman I-III“) schafft Anfang der 80er Jahre einen Horrorfilm, der trotz des niedrigen Budgets, mit sehr guten Masken und Special-FX aufwarten kann. Damit setzt Raimi einen neuen Maßstab für Horror-B-Movies. Der Film überzeugt durch seine dichte Handlung und Atmosphäre. Die verwirrend verzerrten Bild- und Soundwiedergaben und die Shakycam, eine von zwei Leuten getragene Kamera, geben dem Ganzen einen noch gruseligeren Touch. Nichtsdestotrotz besitzt der Film hin und wieder eine unfreiwillige Komik.

Der Film erscheint 1983 mit dem Titel “Tanz der Teufel“ in den deutschen Kinos. Ein Jahr später wird die Videofassung von der Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Medien (BpjM) indiziert und wiederum ein Jahr später beschlagnahmt. Mittlerweile ist im Handel eine gekürzte FSK16-Fassung erhältlich.

Die mit dem Teufel tanzen und noch mehr Böses aus der Welt der Bäume

In zwei weiteren Teilen, tanzen die Teufel erneut: “Tanz der Teufel II – Jetzt wird noch mehr getanzt“ (1987) und natürlich “Armee der Finsternis“ (1992). Die letzteren beiden Filme gehören direkt zusammen, da “Tanz der Teufel II“ im Grunde keine Fortsetzung des ersten Teils darstellt. Vielmehr wird die Geschichte in abgeänderter Form noch einmal erzählt und dann mit “Armee der Finsternis“ weitergeführt. Der Stil der beiden Folge-Streifen unterscheidet sich maßgeblich vom ersten Film. Hier wird mehr Wert auf Komik und Slapstick gelegt. Sam Reimi, ein großer Fan der “Drei Stooges“, spart dennoch nicht an Blut und Besessenen.

Die Geschichte beginnt in “Tanz der Teufel II“ abermals in der Holzhütte im Wald, in der es sich Ash und seine Freundin gemütlich machen wollen und wieder gelingt dies nur bis zu dem Zeitpunkt des Auffindens des Buches, welches nun Necronomicon heißt, sowie des Tonbandgerätes. Umgehend macht sich das Böse erneut an die Arbeit und es wird, wie soll es auch anders sein, anständig Besitz ergriffen bis die Schwarte kracht und dazu im Takt kettengesägt. Im Showdown wird der inzwischen kampferprobte Ash, samt Oberdämon in einen Zeitstrudel gezogen und findet sich postwendend, von Rittern umzingelt, im Mittelalter wieder. Die Rückkehr in seine eigene Zeit ist nur mit dem Necronomicon möglich, doch als Ash dieses holen will und einen Zauberspruch, „Klaatu Verata Nektu”, falsch ausspricht, ersteht dummerweise die Armee der Finsternis wieder auf und schickt sich an, den Protagonisten mitsamt seinen befreundeten Rittersleut ins Jenseits zu befördern.

Teuflisches Fazit

Die außergewöhnliche “Tanz der Teufel“-Filmreihe darf in keiner Horrorfilm-Sammlung fehlen. Die Streifen bieten eine Breitbandunterhaltung, die es nur selten gibt. Von Splatter bis Slapstick wird alles abgedeckt, was der moderne Horrorfilm an Klischees und Spannungsmomenten hergibt – allerdings ohne dabei albern oder überzogen zu wirken. Wer den besonderen Kick will, der sollte sich natürlich die Uncut-Versionen zulegen. Na dann, fröhliches Tanzen und Blutspenden!

“Tanz der Teufel” tanzt auf vielen Hochzeiten:

Besessener Gesang oder singende Besessene?

Über 400 Shows beschert die Crew des Off-Broadway-Stücks “Evil Dead – The Musical“ den blutlüsternden Fans. Das skurrile Musical wird einige Jahre in Toronto und Montreal (Kanada), sowie eine Zeit lang in New York (USA), unermüdlich aufgeführt. Im September 2008 ist jedoch vorerst Schluß. Trotz des, für ein gesungenes Bühnenstück, befremdlichen Inhalts, ist das Werk so erfolgreich, dass Shows in Südkorea, Deutschland und Großbritannien folgen sollen.

Weiterführender Link:
http://www.evildeadthemusical.com/

Spielen bis der Teufel tanzt

2003 schiebt THQ das Computerspiel “Evil Dead – A Fistful Of Boomstick“ nach. Das Spiel ist aber nur für richtige Fans von “Evil Dead“ oder Bruce Campell geeignet, denn Grafik und Spielinhalt lassen sehr zu wünschen übrig.

Das Buch der Toten

Das Buch der Toten heißt im ersten Teil der Trilogie noch Naturon Demonto, wird aber zu Ehren von H.P. Lovecraft in Necronomicon umbenannt. Lovecraft (1890-1937) gilt als einer der einflussreichsten Autoren der phantastischen Literatur. Lovecraft erfindet während seines Schaffens und zur Freude der Fans der anspruchsvollen Horror-Literatur einige Orte und viele fiktive Bücher, welche außergewöhnliches, aber vor allem verbotenes Wissen beinhalten sollen. Der populärste Schinken aus Lovecrafts Gedankenwelt, ist das Necronomicon. Er verfasst 1927 einen Essay, “History of the Necronomicon“, welcher sich mit der Geschichte und den Inhalten des fiktiven rituellen Buchs des Bösen befaßt. Einige Leute glauben bis heute an die Existenz dieses frei erfundenen Werks oder zumindest einigen grundlegenden Teilen daraus. Aus dem Necronomicon ist ein eigener Mythos entstanden und die zündende Idee des Buch der Toten wird immer wieder gern als Dauerbrenner in der Film-, Literatur- und Spielewelt verwurstet. Aber auch für anspruchsvolle Künstler, wie für den Neo-Surrealisten H.R.Giger, erweist es sich als inspirierendes Thema.

Text: Sven Weidmann & Cornelia Weidmann

Trailer:

2003 | 94min | FSK Keine Jugendfreigabe

Michael Benjamin Bay hat offensichtlich Gefallen an Horrorfilm-Remakes gefunden. 2003 macht sich der Produzent mit “Michael Bay’s Texas Chainsaw Massacre“ einen Namen, einer Neuinterpretation des, 1974 von Tobe Hooper inszenierten, Kettensägen-Massakers. Es folgen “Amityville Horror“ (2005) und “The Hitcher“ (2007). Beide Schocker-Streifen sind ebenfalls Neuverfilmungen. Momentan werkelt er an Umsetzungen der Klassiker “Freitag der 13.“ und “Nightmare On Elm Street“. Möglicherweise hat die Arbeit an “Michael Bay’s Texas Chainsaw Massacre“ die Ausrichtung des Produzenten nachhaltig beeinflusst.

Sommer 1973: Fünf Jugendliche durchqueren mit ihrem Kleinbus Texas auf dem Weg nach Dallas. Erin, Morgan, Pepper, Andy und Kemper kommen gerade zurück aus Mexiko, wo die Preise für Marihuana noch bezahlbar sind. Ziel der Reisegruppe ist ein „Lynyrd Skynyrd„-Konzert in der texanischen Hauptstadt. Auf einer einsamen Landstraße rennt ihnen um ein Haar ein offenbar geistig verwirrtes Mädchen vor das Auto. Die hilfsbereite Clique nimmt die abwesend und konfus wirkende Landstreicherin kurzerhand mit, denn der Frauenanteil ist aus Sicht der männlichen Mitfahrer zu niedrig. Doch kaum sitzt die verstörte Wandersfrau im Wagen, sind jegliche Gedanken an freie Liebe passé. Ohne Vorwarnung („Achtung Leute, gleich fliegt mein Gehirn durch den Innenraum“ wäre nett gewesen) zieht das Nervenbündel eine Knarre unter dem Rockzipfel hervor und schießt sich durch den Mund in den Kopf. Allerdings nicht ohne vorher ein nettes „Ihr werdet alle sterben!“-Update für die fünf Freunde zu hinterlassen.

Lederstrumpf? Ledergesicht!

Wie es sich für pflichtbewusste Demokraten gehört, wird über das weitere Vorgehen abgestimmt. Rauswerfen und liegen lassen oder doch die Polizei informieren? Natürlich siegt das Gewissen. An der nächsten Tankstelle treffen die Freunde eine alte Frau. Die wenig vertrauenerweckende Dame dirigiert, die nach wie vor Erschrockenen, zu der alten, verlassenen Crawford Mühle. Dort treffen sie jedoch nicht den Sheriff, sondern einen kleinen Jungen namens Jedidiah. Dieser verrät, wo die Bleibe des Gesetzeshüters zu finden ist.

Erin und Kemper machen sich auf die Suche nach dem Cop, während die übrigen drei potentiellen Schlacht-Opfer bei der Mühle bleiben. Als das Duo ein verwahrlostes Haus entdeckt, beginnt der Alptraum. Der Kettensägen-Fetischist Leatherface, ein Typ Marke Wandschrank mit einer Maske aus Menschenhaut, wartet bereits auf die ungebetenen, aber dennoch “willkommenen“ Gäste.

Literweise Blut vs. gesichtslosem Ungetüm

Zwei Dinge unterscheiden das Remake spürbar von der Originalfassung. Der erste und wohl markanteste Gegensatz ist der Gore-Gehalt. Das Blut spritzt literweise umher und fließt in Strömen durch die Szenerie, während Tobe Hooper’s Version auf derart derbe Darstellungen verzichtet. Der Hauptgrund für diesen Verzicht dürften die Kosten gewesen sein. Das Budget umfasst damals gerade einmal gut 80.000 US-Dollar. Damit hätte wahrscheinlich weder Michael Bay noch Regisseur Marcus Nispel ein einziges abgetrenntes Körperteil realisiert.

Die zweite Abweichung ist die Charakterisierung des Thomas Hewitt aka Leatherface. In der Neufassung wird der psychologischen Komponente des Sägemeisters reichlich Beachtung geschenkt, wohingegen der Killer als gesichtsloses Ungetüm bei Tobe Hooper ungleich unheimlicher und undurchschaubarer bleibt. Gemeinsam ist beiden Versionen letztlich zumindest eines: Es handelt sich bei der Geschichte nicht um eine wahre Begebenheit (wie man dem Zuschauer gerne glauben machen möchte). Die Handlung ist lediglich lose an den Roman “Psycho“ (Robert Bloch, 1959) angelehnt, der von den Taten des Serienmörders und Haut-Sammlers Ed Gein beeinflusst ist.

Text: Sascha Adermann

Trailer (englisch):

1990 | 67min | FSK Keine Jugendfreigabe

Wenn man Kult-Regisseur ist, kann man sich schon Einiges erlauben. Zum Beispiel kann man einen Film drehen, in dem über weite Strecken alte Szenen aus früheren Werken anderer Filmemacher recycled werden, dabei die Hauptrolle spielen und trotzdem cool sein wie feinstes Gelato.

Der italienische Altmeister des Horrors, Lucio Fulci (1927-1996), gibt mit seinem “Nightmare Concert“ nicht nur den Protagonisten, sondern bindet blutig-brutale Filmszenen verschiedener anderer Regisseure geschickt mit ein.

Lieber Tagträume in den Alpen, als Alpträume am Tag!

Hätte er doch nicht derart viele Horror-Filmchen gedreht und geschaut. Dr. Lucio Fulchi (natürlich von ihm selbst gespielt) leidet seit einiger Zeit unter schrecklichen Alpträumen. Ursache der schlimmen Einbildungen, die sich vor seinem geistigen Auge manifestieren, ist seine Arbeit. Realität und Erinnerungen an einige der fiesesten Filmszenen verschmelzen zu Visionen, die den Filmemacher an den Rand des Wahnsinns (oder darüber hinaus) treiben und ihn zunehmend an seinem Geisteszustand zweifeln lassen.

Ausgerechnet ein deutscher Psychiater namens Dr. Egon Schwarz soll ihm helfen, das Problem in den Griff zu bekommen und die Dinge wieder positiv zu sehen. Doch daraus wird nichts, denn der Professor verfolgt seinen eigenen, perfiden Plan. Er will seine verhasste Frau aus dem Weg räumen, aber natürlich nicht den Rest seines Lebens hinter schwedischen Gardinen verbringen. Dieses Dilemma bringt den sadistischen Seelenklempner auf eine Idee. Mittels Hypnose möchte er dem armen und unschuldigen Lucio die Schuld in die Sandalen schieben. Wie in Fulci-Filmen üblich, bleibt es natürlich nicht bei einer Leiche. Stattdessen wird fleißig gemetzelt und gehäckselt, so dass der Bodycount stetig steigt.

Von Häuptern, die rollen und Hauptrollen

Die deutsche DVD-Fassung ist trotz Keine Jugendfreigabe-Siegel gegenüber der ungeschnittenen Originalfassung erheblich gekürzt. Von ursprünglich 88 Minuten bleiben gerade einmal 67 Minütchen übrig – das sagt einiges. Dennoch ist der Streifen recht unterhaltsam, nicht zuletzt dank rollender Häupter und Signore Fulci in seiner einzigen Hauptrolle. Zwar spielt er nicht besonders gut und brabbelt manchen Satz unverständlich in seinen Bart, dennoch muss man den Meister auch mal vor der Kamera gesehen haben. Unvergesslich ist zudem die Szene, in der Säge, Gliedmaßen, Fleischwolf und Schweine eine Rolle spielen, während im Hintergrund Edvard Grieg’s “In der Halle des Bergkönigs“ läuft. Derbe!

Text: Sascha Adermann

1985 | 88min | FSK 12

Teen Wolf aus dem Jahr 1985 ist eine der wenigen Werwolf-Komödien, die durchweg familientauglich ist. In der Hauptrolle glänzt Michael J. Fox, dem im gleichen Jahr mit “Zurück in die Zukunft“ der internationale Durchbruch gelingt.

Vom Milchbubi zum Basketball-Berserker

Der 17-jährige Scott Howard (Michael J. Fox) ist ein durchschnittlicher Teenager und nicht nur aufgrund seiner geringen Körpergröße ein unterdurchschnittlicher Basketballer. An seiner Schule gilt der schüchterne Junge als Außenseiter und führt das Dasein eines grauen Mäuserichs. Er schwärmt für die attraktive Pamela, die ihn aber standesgemäß ignoriert, während die unscheinbare Lisa schon seit Kindestagen auf ihn steht. Eines Tages empfängt sein High School-Team, die Beacon Town-Rangers, die unfaire und viel stärkere Konkurrenz.

Als sein aus leidenschaftlichen Losern zusammengewürfeltes Team abgeschlagen hinten liegt, passiert es: Scott wird gefoult und das gegnerische Team begräbt den armen kleinen Milchbubi unter sich. Nach einer kurzen Rangelei um den Ball erhebt sich nicht etwa das zu 99% pelzfreie Weichei, sondern ein eisenharter und vor allem behaarter Werwolf.

Lug (mal aus dem Bad hervor), ich bin Dein Vater!

Zuhause offenbart ihm sein Vater an der Badezimmertür, dass auch er diese eigenwillige Eigenschaft hat. Er ist selbst ein Werwolf, hat aber gelernt, seine Gefühle unter Kontrolle zu halten. Offenbar sind starke Gefühlsausbrüche verantwortlich für die Metamorphose. Mit diesem Wissen nimmt der lustige Lykanthrop die Mission “Werwolf wird Weltbürger“ in Angriff.

Scott lernt mit der Zeit, seine Emotionen zu beherrschen. Sowohl die Hin- als auch die Rückverwandlung bereitet ihm bald keine Probleme mehr. Er führt seine komischen Korbball-Kasper zu einem Erfolg nach dem anderen und wird an der Schule natürlich immer beliebter. Nicht zuletzt bei der holden Damenwelt. Bald liegt ihm seine Angebetete Pamela dann auch zu Füßen, genau wie die ganze Stadt. Doch irgendwann merkt er, dass sich nicht alles zum Guten verändert hat. Ausgerechnet vor dem alles entscheidenden Meisterschafts-Finale kommen ihm Zweifel an seiner Rolle.

Boxwolf – Schlechtestes Sequel aller Zeiten?

Die Fortsetzung aus dem Jahre 1987 ist eine ganz schlimme Fortsetzung, ohne eine einzige gute und gleichsam neue Idee. Möglicherweise ist es sogar der schlechteste Nachfolge-Teil aller Zeiten, aber das musst Du selber beurteilen. Protagonist Todd Howard (Jason Bateman) ist der Cousin von Scott und teilt natürlich das Erbgut mit seinem Vetter. Für das College-Boxteam soll er die großen Erfolge als Boxwolf holen – so zumindest der Plan des Schultrainers.

“Teen Wolf“ ist kein Horrorfilm, soviel steht fest. Es gibt keine blutigen Szenen und es werden auch keine Menschen gebissen oder gefressen. Die Anzahl der Witze ist für einen Werwolf-Streifen hingegen erstaunlich hoch. In erster Linie ist es Michael J. Fox, der einfach komödiantisches Talent hat. Aber auch sein Kumpel Rupert “Stiles“ Stilinski trägt mit lustigen Sprüchen und witziger Körpersprache Einiges dazu bei. Diesen Film kannst Du Dir gefahrlos mit Deinen Kindern anschauen. Vielleicht verstehen sie sogar was es heißt, anders zu sein.

Text: Sascha Adermann, 2008

Trailer (englisch):

1973 schockt Regisseur William Friedkin ( “Die 12 Geschworenen“) mit seinem Werk “Der Exorzist“ das Kinopublikum. Obwohl der Film auf allzu derbe Splatter-Einlagen verzichtet, ruft er vielerlei Diskussionen hervor. Insbesondere die brutal-vulgäre Sprache sorgt für Kontroversen, aber auch die Darstellung der Kirche und ihrer Diener ist umstritten.

Ex und hopp…

Regan ist 12 Jahre alt und ein ganz normales Mädchen. Das ändert sich jedoch aus heiterem Himmel dramatisch. Aus unerfindlichen Gründen neigt die kleine Göre plötzlich zu wirklich schockierenden Obszönitäten. Um Rat gefragte Mediziner und Psychologen glauben, es käme nur auf die richtige Behandlung, bzw. Dosis an, um das renitente Kind ruhig zu stellen. Die sich sorgende Mutter beginnt zu verzweifeln, als keine der Behandlungen Erfolge bringt. Sie bittet die Kirche, in Person von Pater Karras, um Hilfe. Dieser berichtet von Exorzismen, welche die katholische Kirche vornimmt, um Dämonen auszutreiben. Er verspricht, Pater Merrin (Max von Sydow) zu Hilfe zu holen. Es kommt, wie es kommen muss: Die beiden Geistlichen stellen sich dem Bösen!

Der Director’s Cut von 2001 ist knapp zehn Minuten länger als die Originalfassung von 1973. Speziell die “Spinnenszene“ (fehlt in der ursprünglichen Kino-Fassung), als Regan die Treppe hinunter läuft, lässt die Betrachter erschaudern.  Toll ist aber auch, dass die Tonspur hörbar aufgewertet wurde. Alles klingt besser und sauberer, sogar die Stille. Allein das Abspielen der Aufnahme von Regan über das Tonbandgerät erzeugt schon eine Gänsehaut.

“Der Exorzist“ ist der filmische Beweis, dass guter Horror nicht zwangsläufig eine “ab 18“-Freigabe braucht. Der Film ist eine gelungene Umsetzung der Romanvorlage von William Peter Blatty und erzeugt eine wirklich unheimliche, bedrohliche und beklemmende Atmosphäre. Wenn die kleine Regan mit entstelltem Gesicht und diabolischer Stimme auf Ihrem Bett sitzend den Kopf um 180 Grad dreht, läuft es einem kalt den Rücken runter. Alpträume auf eigene Gefahr!

Text: Sascha Adermann

1980 | 91min | FSK 18

Der Ursprung dieses Klassikers der Horrorgeschichte geht auf einen weiteren filmischen Meilenstein zurück. Mit anderen Worten: “Freitag der 13.“ und Schlitzer Jason Vorhees hätte es ohne “Halloween“ mit Messerstecher Michael Myers wohl nie gegeben. Denn letztendlich ist es der große Erfolg des Low Budget-Streifen an den Kinokassen, der Regisseur Sean S. Cunningham inspiriert und motiviert, es John Carpenter gleichzutun.

Für Make-Up und Umsetzung der Spezialeffekte holt er sich Tom Savini mit ins Boot, welcher bereits bei George A. Romeros “Zombie“ (US-Titel „Dawn of the Dead“) für die Special-FX verantwortlich war. 1980 erscheint dann der Film, der sich durch stattliche zehn Fortsetzungen (“Freitag der 13.“- und “Jason“-Titel) zur langlebigsten Horror-Filmreihe überhaupt entwickelt. Ein elfter Teil ist in Arbeit. Ganz nebenbei erlangt Jason, der Totmacher mit der Eishockeymaske, Kultstatus innerhalb der Splatter-Szene.

Kevin Bacon und der Killer vom Kristall-See

Der Handlungsstrang des ersten Teils ist – vom heutigen Zeitpunkt aus betrachtet – nicht besonders originell. Ende der 1950er Jahre tötet ein Unbekannter in einem Ferienlager namens Camp Crystal Lake zwei Aufseher. Zwanzig Jahre später entschließt sich der visionär angehauchte Steve dazu, das mittlerweile verfallene Lager für den bevorstehenden Sommer herzurichten. Natürlich nicht allein, sondern mit einer Gruppe von mehr oder weniger arbeitswilligen Jugendlichen (darunter auch Kevin Bacon). Wie es sich für einen unterhaltsamen, aber relativ anspruchslosen Streifen gehört, werden munter sämtliche Warnungen seitens der ansässigen Bevölkerung nach allen Regeln der Hollywood-Kunst ignoriert.

Die Folge dieser frevelhaften Überheblichkeit: Mit Einbruch der Dunkelheit beginnen die kleinen, spannungsfördernden Gemeinheiten des mysteriösen Mörders. Unvermittelt hallen unheimliche Geräusche und Schreie durch das Lager. Autos werden sabotiert und die Telefone funktionieren nicht mehr. Doch nicht nur die Leitungen sind plötzlich tot, sondern auch einige der Aufseher, die auf vielfältige, teils pervers-kreative Art hingerichtet werden. Als dann im Camp auch noch die Lichter ausgehen, ist endgültig Schluss mit lustig…

Fortsetzungen am Fließband

In den zahlreichen Fortsetzungen ist die Figur des Jason weitaus bedeutender und nimmt einen sehr viel größeren Teil der Rahmenhandlung ein, als dies noch bei “Freitag der 13.“ der Fall ist. Erst dadurch erlangt Mr. Vorhees himself seinen bis heute bestehenden Kultstatus. Allerdings sind selbst Jason-Fans geteilter Meinung über Qualität und Güte jener am Fließband produzierten Leinwand-Leichenschändungen. Entweder man steht drauf oder nicht!

Zugegeben, über den Gewaltgehalt lässt sich streiten. Heutzutage ist man jedoch schon deutlich Härteres gewohnt, aber der Gore-Aspekt ist dennoch nicht zu verachten. Darüber hinaus ist es erfreulich, dass zumindest der erste “Freitag der 13.“ ohne derbe Logikfehler auskommt. Natürlich verhalten sich die anfangs potenziellen und später tatsächlichen Opfer während ihres Lebens auf Zelluloid nicht gerade schlau. Aber das dürfte auch niemand ernsthaft erwarten, denn letztlich steht hier keine Pseudo-tiefgründige Handlung im Vordergrund.

Die Mischung aus “Camp Cucamonga“, “Schulmädchen-Report“ und “Psycho“ kommt ohne ordentliche Charakterentwicklung aus. Denn für Spannung sorgen fast allein die atmosphärischen Kamera-Fahrten – speziell die Morde aus der Ego-Perspektive – und die teils schnellen Schnitte, sowie die bedrohlich-stimmungsvolle Soundkulisse von Harry Manfredini. Das markante ki, ki, ki,… ma, ma, ma hat übrigens eine Bedeutung: ki steht für “kill“ “ma“ bedeutet “mommy“. Fies oder!? Alles in Allem ist das Original ein Kult-Streifen der jüngeren Moderne, den Du unbedingt gesehen haben solltest.

Text: Sascha Adermann

1980: Freitag, der 13. (Friday the 13th)
1981: Freitag der 13. – Jason kehrt zurück (Friday the 13th – Part II)
1982: Und wieder ist Freitag der 13. (Friday the 13th – Part III)
1984: Freitag der 13. – Das letzte Kapitel (Friday the 13th – The Final Chapter)
1985: Freitag der 13. – Ein neuer Anfang (Friday the 13th – A New Beginning)
1986: Freitag der 13. – Jason lebt (Friday the 13th – Jason Lives)
1988: Freitag der 13. – Jason im Blutrausch (Friday the 13th – The New Blood)
1989: Freitag der 13. – Todesfalle Manhattan (Friday the 13th – Jason Takes Manhattan)
1993: Jason goes to Hell – Die Endabrechnung (Jason Goes to Hell – The Final Friday)
2001: Jason X (Jason X)
2003: Freddy vs. Jason (Freddy vs. Jason)
2009: Freitag der 13. (Remake)

Trailer:

2000 | 85min | FSK 16

Die wohl populärste Horrorfilm-Parodie des frühen 21. Jahrhunderts ist “Scary Movie“. Vor dem Hintergrund der aus “Scream“ bekannten Rahmenhandlung werden hier diverse “Ich weiß welchen Fluch Du letzten Freitag den 13. vor Halloween in Amityville ausgesprochen hast“-Streifen auf die Schippe genommen. Lustig, dass der Arbeitstitel von “Scream“ ursprünglich “Scary Movie“ lautete, wohingegen “Scary Movie“ unter dem Produktionstitel “Scream If You Know What I Did Last Halloween“ gedreht wurde. Sachen gibt’s…

Maskierter Messermann schlitzt strohdoofe Studenten

Die Handlung an sich ist schnell erzählt und wenig originell. Zu Beginn metzelt ein maskierter Meuchelmörder mit Messer und Mantel ein blondes Blödchen (oder blödes Blondchen), nachdem Sie die Frage nach ihrem Lieblings-Horrorfilm auf ihre Weise beantwortet hat. Dies ist der Beginn einer mordsmäßigen Mordserie. Sechs Jugendliche bangen von nun an um ihr Leben, denn sie haben zwei Dinge gemeinsam. Erstens, sie sind strohdoof. Und zweitens, sie haben einen Menschen auf dem Gewissen. Ein Jahr zuvor hatten die Studenten einen Mann überfahren und den leicht Verletzten anschließend mehr oder weniger versehentlich (!) getötet – “Ich weiß was Du letzten Sommer getan hast“ lässt grüßen. Nun scheint sich der Totgeglaubte zu rächen.

Eigentlich ist die Angst der potenziellen Opfer unbegründet, denn der Killer mit der Kapuze trottelt sich von einer Szene zur nächsten und muss bei seinen Attacken selbst erheblich mehr einstecken, als nötig. Noch ungeschickter könnten sich nicht einmal Inspector Clouseau und Lieutenant Frank Drebbin zusammen anstellen. Trotzdem schnetzelt der schwarze Mann nach und nach fast alle Beteiligten von der Bildfläche. Ob die rasende Reporterin Gail oder der dumme Dorfpolizist Doofy den Täter stellen können und wer der tolpatschige Teenie-Schlitzer ist, wollen wir an dieser Stelle aber nicht verraten. Nur soviel: Das Finale unterscheidet sich recht deutlich von dem der Vorlage.

Witzige Blödeleien und blöde Witze

Die Liste der veralberten Werke ist lang. Neben der Rahmenhandlung von “Scream“ und dem Unfallmotiv von “Ich weiß was Du letzten Sommer getan hast“ bedienen sich die Wayans-Brüder ungeniert bei zahlreichen Kultstreifen des Horror- und Grusel-Genres. Aber nicht nur “Halloween“, “Freitag der 13.“, “Blair Witch Project“ und “The Sixth Sense“ werden durch den Kakao gezogen. Auch Blockbuster wie “Matrix“, “Titanic“ und “Forrest Gump“ kriegen ihr Fett weg.

Sage und schreibe drei Sequels schaffen es auf die Kinoleinwände. Bei “Scary Movie 3“ und “Scary Movie 4“ übernimmt David Zucker die Regie. Von da an wird der Humor etwas erwachsener. Die Jokes sind zwar nach wie ausgeprägt pubertär, bewegen sich aber weniger auf Pipikacka-Niveau.

Die Verwendung des Begriffs “Gag-Feuerwerk“ ist in diesem Zusammenhang durchaus legitim. Nahezu jede Szene ist gespickt mit Witzen. Zwar bewegt sich das Humor-Niveau fast durchgängig auf niedriger Ebene, dennoch sind einige Spitzen und Pointen wirklich klasse gesetzt. Das Timing stimmt fast immer. Natürlich wird sehr viel rumgeblödelt, was manchen Betrachter nerven mag. Abstecher in die Regionen des Fäkal-Humors oder der sexistischen Scherze und politischen Unkorrektheiten gehören einfach dazu. Andererseits kauft man den großteils unbekannten, aber nicht unbedingt talentfreien Darstellern die gespielte Doofheit gerne ab, weshalb man sich am Rande der doch halbwegs spannenden Story prächtig amüsiert.

Trailer (englisch):


offizielle Webseite (englisch)

Text: Sascha Adermann

1999 | 88min | FSK 16

Eigenständige Extremitäten sind in Horror- und Splatter-Streifen keine Seltenheit. Meistens werden diese ohne Zustimmung ihrer Besitzer vom Rest des Körpers gewaltsam mit brutal scharfen Hackebeilen oder martialisch knatternden Kettensägen abgetrennt. Manchmal führen diese Körperteile dann sogar ein Eigenleben, wie etwa das Eiskalte Händchen der Addams Family. Wie der Titel “Die Killerhand“ unschwer vermuten lässt, übernimmt hier ein gnadenloses Greifwerkzeug die Rolle des tückischen Todbringers.

Lieber Gras rauchen als Heuschnupfen

Der junge Anton (Devon Sawa) ist ein Kiffer, wie er im Buche steht. Er sitzt den ganzen Tag vor der Mattscheibe und verblödet beim Fernsehprogramm. Wenn er mal nicht stoned vor dem Fernseher hängt, holt er sich bei seinen Kumpels Pnub (Elden Henson) und Mick (Seth Green) frisches Dope. Es gibt nur eines, was den naiven Nixplaner sonst noch interessiert: Die attraktive Molly (Jessica Alba), die in der gleichen Straße wohnt.

Als eines Tages mal wieder die Drogenvorräte zur Neige gehen, fragt Anton seine beiden Dealer-Kumpels um Rat bzw. Hilfe. Deren Bestand ist aufgrund der bevorstehenden Halloween-Feierlichkeiten jedoch nicht ausreichend. Sie empfehlen ihm, es mit Gewürzen aus der Küche zu probieren. Der leichtgläubige Junkie raucht das Zeug und die merkwürdigen Ereignisse nehmen ihren Lauf.

Eine Hand außer Rand und Band

Nach und nach verlieren Freunde und Familienmitglieder von Anton das Leben. Er bemerkt, wer oder was für die Taten verantwortlich ist und versucht, der Situation Herr zu werden. Zunächst beschäftigt er, seine fiese, fünffingerige Flosse mit Strick- und Häkelübungen. Als diese Maßnahme nicht fruchtet, separiert er seine Tatze vom restlichen Torso. Doch die Hand hat nur darauf gewartet und genießt ihre Unabhängigkeit in vollen Zügen. Mithilfe einer Druiden-Priesterin (Vivica A. Fox) und seinen beiden Freunden macht er sich auf die Jagd.

Der US-Kinostart wird seinerzeit wegen des Schulmassakers von Littleton verschoben, da Anton (bzw. dessen Hand) seine Eltern tötet. Das Budget des Films beträgt 20 Millionen US-Dollar, holt an den Kassen aber nur gut vier Millionen US-Dollar wieder rein – ein Flop! Jedenfalls liegt es nicht an den Schauspielern. Devon Sawa gibt sich redlich Mühe, seine Hand als Fremdkörper darzustellen und auch Jessica Alba, Seth Green und Elden Henson spielen ihre Rolle gut.

Obwohl “Die Killerhand“ eine FSK 16-Einstufung erhält, fließt ordentlich Blut. Auch die musikalische Untermalung kann sich hören lassen, denn Mötley Crüe, Zebrahead, Rancid und Offspring sind mit von der Partie. Letztere treten sogar anlässlich von Halloween mit ihrem Song “Beheaded“ auf dem Schulfest auf. Eine unterhaltsame und amüsante Horror-Komödie, deren krude Story bisweilen etwas hinkt.

Text: Sascha Adermann

Trailer:

Humorige Horrorstreifen sind – abgesehen von ungewollt amüsanten B-Movies – innerhalb unserer Filmlandschaft eher selten anzutreffen. Das liegt in erster Linie daran, dass Leiden und Lachen nun einmal nicht wirklich gut harmonieren. Wenn der Regisseur allerdings Mel Brooks heißt und Leslie Nielsen die Hauptrolle spielt, dann leiden die Lachmuskeln der Zuschauer auch bei der Umsetzung einer klassischen Gruselgeschichte.

Trotteliger Tolpatsch aus Transsylvanien

Der Londoner Rechtsanwalt Renfield reist nach Transsylvanien, um mit dem Grafen Dracula über Immobiliengeschäfte zu reden. Trotz aller Warnungen besucht er den kauzigen Kerl in dessen Schloss. Dort verliert Renfield den Verstand und wird zum schwachsinnigen Sklaven des öfters etwas ungeschickten (höflich ausgedrückt) Vlad Tepes. Zusammen reisen die beiden mit dem Schiff namens “Demeter“ nach London, denn der tolpatschige Trottel Dracula will übersiedeln.

Renfield wird kurz nach der Ankunft in England in die Heilanstalt von Dr. Seward eingewiesen, wo der wirre Advokat seiner neu entdeckten Leidenschaft nachgeht und fleißig Insekten vertilgt. Wer hätte gedacht, dass ausgerechnet der rumänische Fürst der neue Nachbar des Nervenheilers Jack Seward wird. So lernt der Blutsauger auch Lucy und Mina kennen. Wenig später erkrankt Lucy an einer mysteriösen Krankheit und stirbt. Daraufhin bittet Dr. Seward seinen Kumpel van Helsing um Hilfe, welcher das Werk eines Vampirs erkennt – naja, die auffälligen Biss-Spuren sind schon ein ziemlich eindeutiges Indiz. Mit einem fingierten Tanzabend inklusive Spiegelszene (“Tanz der Vampire“ lässt grüßen) locken die Männer den armen Grafen schließlich in die Falle.

Lustig, mit kleinen Macken

Großteils hält sich Mel Brooks bei seiner Satire an die Vorlage von Bram Stoker und nimmt ein ums andere Mal die Verfilmung von Francis Ford Coppola aufs Korn. Leider sind einige Scherze einfach zu vorhersehbar oder schlecht getimt, um sich wirklich komplett unter den Tisch zu lachen.

Trotzdem kann man sich vortrefflich amüsieren, wenn man über kleine Unzulänglichkeiten hinwegsieht und solch einen Klamauk auf ein Kunstwerk nicht als Frevelei sieht. Allein der doofe Blick von Leslie Nielsen und die teilweise gelungenen Anspielungen entschädigen dann doch wieder für die Schwächen. Selbst wenn der Humor Geschmackssache ist, so gefallen uns doch die hübschen Kulissen und passenden Bühnenbilder, welche Erinnerungen an klassische “Dracula“-Verfilmungen wecken.

Trailer:

Text: Sascha Adermann

1963 | 87min | FSK ungeprüft

Frage: Was haben Vampire mit dem Atomzeitalter zu tun? Antwort: Nichts, genauso wenig wie der Film mit Blutsaugern und radioaktivem Niederschlag zu tun hat! Der US-Titel “Atom Age Vampire“ hat mal eben gar nichts mit dem italienischen Originaltitel gemein. Dem kommt die deutsche Film-Bezeichnung schon deutlich näher.

Wilde Raserei

Die aparte Sängerin und Tänzerin Jeanette wird von ihrem Angebeteten völlig überraschend verlassen. Die hübsche Blondine rast in einer Mischung aus Trauer und Zorn mit dem Auto davon und steuert ihren Wagen über eine Klippe in den Abhang. Sie überlebt die kapitale Blechverformung und erwacht Tags darauf im Krankenhaus. Dass sie mit ihren Gesichtsbandagen aussieht wie eine Mumie, ist die eine Sache. Dass sie ohne Gesichtsbandagen aber aussieht wie ein vernarbtes Brandopfer, treibt sie an den Rand eines Nervenzusammenbruchs.

Hilfe findet sie bei dem experimentierfreudigen Professor Alberto Levin (Alberto Lupo). Dieser hat einen Wirkstoff namens Serum 28 entwickelt, welcher Zellen regeneriert und somit der verzweifelten Dame helfen kann. Allerdings ist das Zeug extrem selten und noch schwieriger zu gewinnen, da es auf natürlichem Wege ausschließlich  in menschlichen Drüsen produziert wird.

Wo die Liebe hinfällt…

Im Laufe der Anwendungen verliebt sich der düstere Wissenschaftler in seine Patientin. Angesichts der Tatsache, dass die ehemalige Schönheit mehrere Behandlungen braucht und das gute Serum 28 vor Abschluss der Behandlung zu Neige geht, entschließt sich der Forscher dazu, die komplette Drüse einer anderen Frau direkt zu transplantieren. Ein kranker Plan, für den er als erstes eine “Spenderin“ benötigt. Seine ihm hörige Assistentin Monique ist die erste, die er in die ewigen Jagdgründe schickt. Aber gewiss nicht die letzte.

Da die Verfügbarkeit spendewilliger Damen zu Wünschen übrig lässt, entscheidet sich Dr. Levin für den nächsten, folgenschweren Schritt. Er injiziert sich Serum 25, den degenerativen Vorgänger des regenerativen Serum 28. Daraufhin verwandelt er sich in eine entstellte Kreatur ohne jedes Gewissen oder Schuldbewußtsein und so kann der Würger mit seinen Teufelskrallen fröhlich neue Spenderinnen “aufreißen“. Ob die zwei am Ende glücklich werden, wird nicht verraten…

Wenn es einen Preis für den bescheuertesten Titel gäbe, wäre “Seddock, der Würger mit den Teufelskrallen“ aka “Atom Age Vampire“ sicher ganz vorne dabei. Ansonsten ist der Film eher gutes Mittelmaß. Die Schauspieler bewegen sich auf einem anständigen Niveau, ohne zu glänzen. Richtig unheimlich ist der Film nicht, aber doch irgendwie fesselnd. Für die damalige Zeit sind die Effekte schon durchaus ansehnlich. Insbesondere, wenn die Narben wie von Geisterhand verschwinden. Mysteriös ist die Tatsache, dass die italienische Orignal-Fassung satte 105 Minuten Spielzeit ausweist, wohingegen es auf US-DVDs lediglich maximal 87 Minuten sind. Für Freunde von Schwarzweiß-Trash ein Geheimtipp, der obendrein noch gratis und legal im Netz zum Download bereit steht.

Text: Sascha Adermann

Trailer:

1992 | 80min | FSK 16

Peter Jackson genießt spätestens seit seinen Blockbuster-Verfilmungen von “Herr der Ringe“ und “King Kong“ weltweit hohes Ansehen. Doch eingefleischten Horror-Fans ist der verrückte Neuseeländer schon seit Längerem bekannt. Mit “Bad Taste“ (1987) und “Meet the Feebles“ (1989) macht sich der geniale Regisseur Ende der 80er einen Namen, bevor er 1992 “Braindead“ auf die Kinobesucher loslässt. Der Film gilt unter Splatter-Fans und Gore-Maniacs weltweit als absoluter Kult.

Affiger Ratten-Bastard

Was den Streifen so außergewöhnlich macht, sind nicht nur die außergewöhnlich blutigen Spezialeffekte. Auch die skurrile Story – irgendwo zwischen Zombie-Zynismus und Splatter-Sarkasmus angesiedelt – sucht ihresgleichen. Nahe Sumatra, auf einer Insel namens Skull Island, entdeckt ein Forscher 1957 eine bisher unbekannte Lebensform. Es handelt sich dabei um eine Mischung aus Nager und Primat, genauer um eine Art Ratten-Affe. Das Tier gelangt zur Untersuchung in den Zoo der neuseeländischen Stadt Newtown.

In der gleichen Stadt lebt die hübsche Paquita Maria Sanchez, die auf der Suche nach ihrer großen Liebe ist. Den Tarot-Karten ihrer Oma „verdankt“ die junge Frau, dass ausgerechnet der größte Taugenichts der Stadt, das am Rockzipfel hängende Muttersöhnchen Lionel Cosgrove ihr Traummann sein soll. Das allein wäre schon schlimm genug, aber leider ist Lionels Mama auch noch extrem herrschsüchtig und vereinnahmend – wie es sich eben für eine echte Glucke gehört.

Folgenschwerer Appetit-Happen

So kommt die Matrone dahinter, dass sich die beiden Turteltauben eines Tages heimlich zum Date in jenem Zoo verabreden, der das hässliche Mix-Wesen beherbergt. Sie beobachtet das Paar gerade heimlich, als sie plötzlich von der affigen Ratte gebissen wird. Natürlich bleibt der Appetit-Happen nicht ohne Folgen, die tyrannische Mutter fault trotz Behandlung durch eine Krankenschwester bei lebendigem Leibe vor sich hin und stirbt folgerichtig. Dieser Zustand ist jedoch nicht von Dauer, denn trotz der ausgeprägten Verwesung wandelt die dominante Dame alsbald wieder unter den Lebenden.

Der Zombie-typische unstillbare Blutdurst und der obligatorische Fleischeshunger sind von nun an ihre Begleiter, sie vergreift sich an Freunden, Nachbarn und sogar Haustieren. Doch nicht nur der konstante kannibalische Kohldampf ist problematisch. Weitaus besorgniserregender ist der Umstand, dass die Angeknabberten ebenfalls dieselben unangemessenen Verhaltensweisen an den Tag legen.

Zombies + Aufputschmittel = Gefahr!

Lionel entschließt sich, alle Befallenen im heimischen Keller zu verstecken und medikamentös ruhig zu stellen. Das geht solange gut, bis plötzlich Onkel Les auftaucht und eine zünftige Fete im Haus seiner (un)toten Schwester feiern will. Paquita und Lionel entschließen sich, die Zombie-Horde mit Giftspritzen zu neutralisieren. Guter Plan, aber leider total ineffektiv. Im Gegenteil, anstatt dahinzuschlummern, wirkt das Toxin sogar noch aufputschend, das dicke Ende kommt erst noch…

Braindead ist ein absoluter Kult-Film. Zwar ist die einzige in Deutschland legal erhältliche Version mit dem Titel “Dead Alive“ recht umfangreich gekürzt worden, um die FSK 16-Richtlinien zu erfüllen. So fehlt z.B. die komplette Rasenmäher-Szene, bei der gut 300 Liter Kunstblut zum Einsatz kommen. Doch auch diese geschnittene Fassung zeigt deutlich, was die Faszination an diesem Werk ausmacht. Es ist die Versessenheit, mit der Regisseur Peter Jackson seiner Arbeit nachgeht. Die Detailverliebtheit zeigt sich nicht nur in der Gesamtheit, sondern in vielen kleinen Dingen und kurzen Augenblicken, die man beim ersten Betrachten oft nicht wahrnimmt. Das stilechte 50er Jahre-Setting, der mit Stacheldraht bewehrte Zombie-Kinderwagen und und und. Auf jeden Fall solltest Du nicht allzu empfindlich sein, denn rote Blutkörperchen gibt es genug zu sehen.

Text: Sascha Adermann

Trailer:

1977 | 83min | FSK 12

Der Grat zwischen zeitlosen Trash-Klassikern und schlechten Machwerken ist äußerst schmal. Ob ein Streifen ernst genommen oder als Parodie verstanden werden will, ist oft sehr schwer zu erkennen oder liegt allein im Auge des Betrachters. Ein klassisches Paradebeispiel dafür ist die – sagen wir mal – Horrorkomödie “Angriff der Killertomaten“.

Amerika, Land der unbegrenzten Unmöglichkeiten

Amerika, ist nicht nur das Land der unbegrenzten Möglichkeiten, sondern auch der unbegrenzten Unmöglichkeiten. Da beginnen plötzlich ganz gewöhnliche Tomaten, die menschliche Bevölkerung zu attackieren und zu tyrannisieren. Der Grund dafür? Keine Ahnung! Ist aber auch egal, denn nach Gründen oder gar Begründungen sollte man als Zuschauer besser nicht suchen, das ist Zeitverschwendung. Angesichts der dramatischen Angriffe sieht sich der amerikanische Präsident genötigt, etwas zu unternehmen. Sein Pressesprecher wird beauftragt, mit der PR-Firma “Meinungsmache“ die Gemüter der beunruhigten Bevölkerung zu besänftigen und die Menschen von der Harmlosigkeit der roten Pflanzen zu überzeugen. Unterdessen stellt das kistenweise Kugelschreiber testende Staatsoberhaupt eine Spezialeinheit zusammen. Diese Truppe ist so speziell, dass es schon nicht mehr auszuhalten ist.

Die Leitung der Truppe übernimmt Agent Mason Dixon. Er wird von Sam Smith – einem Meister der Verkleidung – unterstützt. Zu dessen Lieblingsmaskeraden zählt ein Adolf Hitler-Kostüm, welches auch seinem afroamerikanischen Träger Probleme beschert. Zu seinen weiteren Begleitern gehören der nicht ganz (wasser)dichte Navy-Taucher Greg Colburn, der wahnwitzige Fallschirmspringer Wilbur Finletter und die Steroide-Schwimmerin Gretta Attenbaum aus dem russischen Olympia-Team.

Nebulöse Nachtschattengewächse

Smith wird beauftragt, die Tomaten-Truppen zu infiltrieren, während seine Kameraden versuchen, der Bedrohung Herr zu werden. Natürlich geht dabei so ziemlich alles schief, was schiefgehen kann, sogar die Spezialeinheit wird dezimiert. Die Rettung kommt letztlich von gänzlich unerwarteter Seite. Die nebulösen Nachtschattengewächse haben nämlich eine schleierhafte Schwäche für Musik…

Angesichts des schmalen Budgets von knapp 100.000 US-Dollar ist es nicht verwunderlich, dass die Spezialeffekte allesamt armselig sind. Die spektakulärste Szene ist sogar ungewollt entstanden. Zu Beginn des Films unterhalten sich zwei Darsteller, als im Hintergrund ein Hubschrauber zur Landung ansetzt. Plötzlich gerät der Drehflügler außer Kontrolle, trudelt umher und fabriziert eine bezaubernde Bruchlandung. Das der Crash so realistisch aussieht, liegt daran, dass er nicht geplant war! Laut Drehbuch sollte der Pilot ganz normal landen. Der Absturz wurde nachträglich kurzerhand in die Handlung eingebunden.
Angesichts der insgesamt total überspitzten Geschehnisse sollte man ausschließen, dass Regisseur, Drehbuch-Autor und Produzent John De Bello einen ernsthaften Film produzieren wollte. Die Anspielungen sind dafür eigentlich zu deutlich. Ein gutes Beispiel dafür ist die Szene, als schwimmende Tomaten unschuldige Schwimmer angreifen – im Stile von “Der Weiße Hai“. Außerdem parodiert sich der Streifen an unzähligen Stellen selbst.

Tomaten-Trash

Es folgen noch drei weitere “Killertomaten“-Sequels. In “Die Rückkehr der Killertomaten“ (1988) ist sogar George Clooney in einer seiner frühen Rollen zu sehen. Als letztes erscheint hierzulande “Die Killertomaten schlagen zurück“ (1990), wohingegen “Killer Tomatoes Eat France“ (1991) bei uns nicht veröffentlicht wird. Zum Glück, denn das ohnehin niedrige Niveau lässt sich bei den Nachfolgern kaum noch erkennen. Auch die Zeichentrickserie “Killertomaten“ wird nach 21 Folgen eingestellt.

Zugegeben, man muss schon eine sehr alberne Ader haben, um an “Angriff der Killertomaten“ seine Freude zu haben. Trotzdem ist der Film für zahlreiche Lacher gut. Nicht etwa, weil die Witze so gut und pointiert sind. Allein die rollenden Tomaten sehen so lächerlich aus, dass man es heutzutage kaum glauben kann. Zweifelsohne eine echte Trash-Granate!

Text: Sascha Adermann

Trailer:

1941 | 67min | FSK 6

Wie sich die Zeiten doch ändern! Da verspricht die Kino-Werbung von “Herr der Zombies“ im Jahr 1941 noch „Menschen-Opfer, grausame Folter und Voodoo-Riten“ oder auch „Enthüllungen, die das Blut in den Adern gefrieren lassen“. Heutzutage ist dieses unerhört “gruselige“ Werk schon als kindertauglich eingestuft.

Ursprünglich ist DER Grusel-Mime schlechthin für die Rolle des undurchsichtigen Dr. Sangre vorgesehen: Béla Lugosi. Daraus wird jedoch nichts, da der Star vieler klassischer Horror-Geschichten zur Zeit der Dreharbeiten nicht verfügbar ist. Auch die “Ersatzlösung“ Peter Lorre steht kurzfristig nicht mehr zur Verfügung. In letzter Minute wird der renommierte Henry Victor (spielte in über 100 Filmen) für die Produktion gewonnen und übernimmt den Part des Doktors.

Zu Besuch beim netten Blut-Doktor

“Herr der Zombies“ spielt in der Zeit des Zweiten Weltkrieges, irgendwo zwischen Puerto Rica und Kuba. James, ein Geheimagent und Jefferson, sein Diener, sind auf der Suche nach einem mysteriösen, schwachen Funksignal. Leider geraten die beiden Männer samt Pilot Bill mit ihrem Flugzeug in einen schweren Sturm. Dadurch kommt die Maschine vom Kurs ab und auch der Treibstoff geht zur Neige. Die unausweichliche Notlandung bringt die Gruppe auf eine verwegene Insel, die vom übertrieben freundlichen Dr. Sangre (toller Name, Dr. Blut) bewohnt, ja sogar beherrscht wird. Doch trotz oder gerade wegen dieser Aufgeschlossenheit und Hilfsbereitschaft wirkt der alte Mann unheimlich und wenig vertrauenerweckend.

Als erstes bemerkt Jeff, dass im Hause des Doktors mit dem seltsamen Namen noch ganz andere unheimliche Dinge ablaufen. In der Küche des Dr. Mikhail Sangre begegnet er einigen mutmaßlichen Zombies. Leider glauben ihm seine Begleiter anfangs nicht – kein Wunder, schließlich ist der schwarze Mann im amerikanischen Sklaven-Weltbild der 40er Jahre nur als gehorsamer Diener und für schlechte Witze zu gebrauchen. Der weiße Mann spielt natürlich den Helden. Eigentlich überflüssig zu erwähnen, dass es sich um einen Schwarzweiß-Film handelt.

Hat der nette Mann Leichen im Keller?

Nach und nach entdecken auch die beiden Ungläubigen, dass im Staate Dänemark etwas faul ist. Die ganze Freundlichkeit ist wohl doch nur Vorwand. Sie kommen dahinter, dass der Onkel Doktor äußerst merkwürdige Riten und Zeremonien durchführt, welche die Bediensteten scheinbar zu wandelnden Leichen machen. Erst gegen Ende des knapp über eine Stunde langen Films erkennen die drei Abgestürzten, welch perfiden Plan der im Undercover-Exil befindliche Insel-Nazi mit dem russischen Vor- und dem spanischen Nachnamen in seinem Keller verfolgt.

Angesichts der Tatsache, dass es sich bei “Herr der Zombies“ um eine ernsthafte Hollywood-Produktion handelt, ist der Begriff B-Movie eigentlich nicht ganz korrekt. Immerhin war der Film für einen Oscar (Beste Musik) nominiert. Angesichts der kruden Story (besonders am Ende) sind Begriffe wie Trash oder B-Movie jedoch nicht abwegig. Außerdem wirken die Schauspieler – mit ihrem für die damalige Rassentrennung in Amerika typischen Verhalten – unfreiwillig komisch. Soll heißen, man kann sie als aufgeklärter und vernunftbegabter Mensch einfach nicht ernst nehmen. Im Prinzip ist dieser Streifen über die Jahrzehnte vom Horror-Film zum kindgerechten, aber politisch unkorrekten Gruselspaß mutiert.

Text: Sascha Adermann

Ausschnitt:

Link:
“King of the Zombies” (englisch) auf www.archive.org online sehen:
http://www.archive.org/details/KingOfTheZombies

1971 | 90min | FSK Keine Jugendfreigabe

Gar grausig treiben es die alten Templer auf ihrer Ordensburg. Anstatt sich im Gebet zu vertiefen und sich um die Befreiung Jerusalems zu kümmern, wie es sich für gute Christenritter gehört, ergehen sich die Ordensbrüder in unheiligen Ritualen und führen sich auf, wie der Gottseibeiuns persönlich.

Jungfrauen werden entführt, ihrer Kleider entledigt, grausam gequält und anschließend wird auch noch ihr Blut getrunken. Das kann ja nicht lange gut gehen. Schon bald steht ein tapferer bewaffneter Mob vor der Ordensritterburg und macht den wenig tugendhaften Treiben ein grausames Ende, indem es die Templer zeitgemäß auf dem Scheiterhaufen entsorgt.

Doch so einfach ist den unfrommen Rittern nicht bei zu kommen. So erheben sie sich bis zum heutigen Tage, Nacht für Nacht aus ihren Gräbern und Gruften (welche die lynchenden Dorfbewohner freundlicherweise für die verhassten Ritter angelegt haben), um auf ihre Pferde zu steigen (die anscheinend direkt neben den Rittern oder mit ihnen begraben wurden) und durch die Gegend zu reiten. So sind sie wieder auf der Suche nach unvorsichtigen jungen Frauen, die halbnackig in der alten Ordensburg übernachten und denen sie alsbald das Blut aussaugen.

Zornige Zeitlupen-Zombies

Mehrere Elemente machen die spanisch/portugiesische “Reitenden Leichen“-Tetralogie einzigartig und zu einem Filmerlebnis der besonderen Art. Da sind zum Ersten die “Haupthelden“, welche anmuten, als wären sie auf einer insolventen Rummel-Geisterbahn gecastet worden. Die Leichen sehen aus wie verstaubte Knochengerippe mit Kapuzenumhängen, rein äußerlich in einem attraktiven Graubraun gehalten. Zum Zweiten: die toten Ordensritter bewegen sich in Zeitlupe! Sie reiten auch in Zeitlupe. Selbstverständlich holen sie trotzdem (fast) alle ihre Opfer ein. Das liegt auch daran, dass diese es oft vorziehen, sich schreiend in eine Ecke zu stellen, anstatt die alten Staubritter einfach umzutreten und gemütlich davonzuschlendern. Beim Tempo der untoten Templer könnten sich viele der jungen Damen vorher sogar noch etwas anziehen. Tun sie aber nicht. Zumal die Ritter, wie der englische Titel schon besagt, blind sind und sie ihre Opfer nur hören können. Drittes Highlight der “Reitenden Leichen“-Filme ist der Soundtrack, welcher aus einem amtlichen okkulten Chor besteht, wie ihn sonst nur die Italiener derart atmosphärisch zaubern können.

Nun ist es recht einfach, sich über die “Die Nacht der reitenden Leichen“ lustig zu machen. Der erste Teil nervt beispielsweise mit einigen, sinnfreien Dialogen, die den Fluss des Filmes doch arg stören. Teilweise werden die Opfer völlig sinnlos zu Zombies mit Vampir-Ambitionen. Aber nicht alle. Sprich, ein schöner verquarkter Murks, wie ihn sich selbst Meister Fulci nicht sinnloser hätte erdenken können. Entspannt man sich aber und legt das Bedürfnis ab, immer krampfhaft über alles ironisch ablästern zu müssen, entsteht sogar eine gruselige Atmosphäre. Der Trick mit der Zeitlupe, nur unterlegt von den Hufgeräuschen der untoten Pferde, erweist sich (wenn man es zulässt) als äußerst wirkungsvoll und bedrohlich. Wahrscheinlich ist es hilfreich, den Film ein wenig mit kindlichem Gemüt zu betrachten, anstatt lässig den Bodycount runter runterzuzählen, um seine Kumpels zu beeindrucken. Natürlich kann man die Filme (insbesondere 2-4) auch einfach als Partyspaß schauen und ordentlich ablachen.

Vier Filme für ein Halleluja

“Höhepunkt“ der Reihe ist sicherlich der dritte Teil: Das Geisterschiff der schwimmenden (!) Leichen. Herzlichen Glückwunsch! Bei der Geburt dieser Idee, wäre ich gern dabei gewesen. Auf die Fortsetzungen: “Der Heißluftballon der fliegenden Leichen“, “Die Eisenbahn der reisenden Leichen“, “Die fliegenden Leichen fliegen zum Mond“ und “Die reitenden Leichen hauen den Lukas“ warten wir leider bis heute vergebens.

Dennoch ist die von Amando de Ossario “Reitende Leichen“-Reihe eine der absonderlichsten und charmantesten Filmreihen des Horrorfilms. Eigentlich schade, dass solch ein kruder naiver Mix aus ernst gemeintem liebevollen Trash, Horror, Geisterbahn und einem Hauch von Gore heute nicht mehr möglich ist. Aufgrund seiner mitunter doch recht expliziten Szenen, existieren vom ersten Teil diverse geschnittene Versionen, teilweise fehlen bis zu 14 Minuten. Dabei fallen nicht nur Blut und Sex der Schere zum Opfer, auch die “Handlung“ ist gestrafft.

1971: Die Nacht der reitenden Leichen (La noche del terror ciego)
1973: Die Rückkehr der reitenden Leichen (El ataque de los muertos sin ojos)
1974: Das Geisterschiff der schwimmenden Leichen (El buque maldito)
1975: Das Blutgericht der reitenden Leichen (La noche de las gaviotas)

Trailer:
Trailer: “Die Rückkehr der reitenden Leichen”

Trailer: “Das Blutgericht der reitenden Leichen”

Text: Andreas Hartung

(Original Titel: Black Sunday, The Demons Mask, The Mask of Satan)

1960 | 84min | FSK 16

Jahrelang arbeitet der Italiener Mario Bava als Kameramann. Häufig springt er als Regisseur bei den Dreharbeiten ein, weil die eigentlichen Regisseure die Klappe hinwerfen. Bava erwirbt sich dadurch aber den Ruf eines Mannes, der mit wenigen Mitteln viel erreicht. 1960 ist es dann soweit: Mario Bava darf seinen ersten eigenen Film drehen. Er entscheidet sich für einen Stoff, der (sehr frei) an Motive des russischen Schriftstellers Nikolai Gogol angelegt ist.

Inkonsequente Inquisition

Im Jahre 1630 sollen die adlige Asa Vaida und ihr Liebhaber Javutich als Hexe und Hexer auf dem Scheiterhaufen verbrannt werden. Vorher wird ihnen eine, auf der Innenseite mit langen Nägeln bestückte, Maske (die im Originaltitel erwähnte Dämonenmaske) aufs Gesicht gezimmert. Bevor es aber dazu kommt, findet Asa noch die Kraft, den Inquisitor, ihren eigenen Bruder, und seine Nachkommen zu verfluchen sowie ihre eigene Wiederauferstehung anzukündigen.

Aufgrund plötzlich einsetzenden Regens, können die Leichen jedoch nicht verbrannt werden und die tapferen Satanistenlyncher wollen nicht auf das Ende des Regens warten. So liegen Asa und ihr Liebhaber Javutich auch noch zweihundert Jahre später nahezu unversehrt in ihren Gräbern und sinnen auf Rache!

Mordendes Ringelreihen im gotischem Gemäuer!

Die Möglichkeit zur Vergeltung bietet sich gut 300 Jahre später, als Prof. Krubajan und sein Assistent Dr. Gorobec aufgrund einer Reifenpanne die Gruft derer von Vaida, besichtigen. Bei dem Versuch, sich gegen eine überdimensionale Fledermaus zu wehren, zerstört Dr. Krubajan das bannende Steinkreuz, welches die Hexe bisher von ihrem Rachefeldzug abgehalten hat. Da Asa selbst noch zu schwach ist, um sich aus dem Grabe zu erheben, erweckt sie erstmal ihren Liebhaber zu neuem Leben. Dieser beginnt nun, als vampirähnliches Wesen, die Abrechnung für die Geliebte in die Tat umzusetzen. Insbesondere die junge Tochter des Fürsten Vaida, die Asa wie ein Ei dem anderen gleicht, soll für die vergangenen Taten büßen und ihrer satanistischen Vorfahrin endgültig zu neuem Leben verhelfen.
Es beginnt ein lustig, mordendes Ringelreihen, in dem viele Protagonisten zu Untoten werden, ständig Leute durch Kamintüren in düstere Geheimgänge stolpern und steinerne Sarkophage explodieren.

“Die Stunde, wenn Dracula kommt“ ist ein schauerliches, optisches Meisterwerk der alten Schule und so etwas, wie der künstlerische Höhepunkt des gotischen Schauerfilms mit dezenten Ekeleinlagen. Schlichtweg eine wahre Augenweide. Mit Dracula hat der Film im Übrigen rein gar nichts gemein. Der Vampirismus als solcher nimmt ebenfalls nur eine Nebenrolle ein.

Text: Andreas Hartung, 2008

Trailer (englisch):

1954 | 79min | FSK 12

Der Wissenschaftler Dr. David Reed findet bei einer Expedition im Amazonas Überreste einer unbekannten Amphibienart, welche lustig aus einem Felsen ragen (ja, damals war Wissenschaft noch einfach und jeden zweiten Tag hat es in der Wüste Gobi Dinosaurierknochen geregnet). Als er mit einem eiligst zusammengerufenen Forschungsteam in sein Lager zurückkehrt, findet er dieses verwüstet und seine einheimischen Assistenten ermordet vor.

Nach erfolgloser Forschungsarbeit beschließen sie, in der benachbarten, geheimnisvollen Schwarzen Lagune weiterzusuchen. Anstatt jedoch Knochenfunde zu entdecken, begegnet den Forschern ein quicklebendiges Exemplar.

Die Kreatur aus der Schwarzen Lagune

“Der Schrecken vom Amazonas“ ist der letzte der großen Monsterfilme, der sich dauerhaft ins kollektive Bewusstsein gebrannt hat. Ähnlich wie bei Frankensteins Monster, handelt es sich bei dem Kiemewesen vor allem um eine einsame und missverstandene Figur, deren Mordtaten meist aus Gegenwehr erfolgen. Wie bei “King Kong“ verliebt sich das Monster in die “weiße Frau“ des Expeditionsteams.
Allerdings trägt sie kein Kleid, sondern einen weißen Badeanzug, als sie räkelnd durch die schwarze Lagune (ganz offensichtlich ein Schwarzweiß-Film) schwimmt. Das Biest beobachtet sie fasziniert und folgt ihr mit einigen Metern (manchmal auch nur Zentimetern) Abstand, was zu einigen schönen Synchronschwimmszenen führt. Die Unterwasseraufnahmen sind bemerkenswert und sogar heute noch wunderschön und atmosphärisch anzuschauen, auch wenn man meistens einen Stuntman im Gummianzug wahrnimmt, der offenbar lrecht lange die Luft anhalten kann.

Kopfschmerz-Kino

“Der Schrecken vom Amazonas“ wurde als erster 3D-Film mit Unterwasseraufnahmen vermarktet. Noch heute kann man sich bei der Eröffnungssequenz und dem Strecken und Greifen des Monsters gut vorstellen, wie eindrucksvoll der Film in einer 3D-Vorführung gewirkt haben muss. Allerdings war die korrekte Vorführung schwierig zu handhaben und vielen Kinos gelang es nicht, die zwei notwendigen Projektoren synchron laufen zu lassen. Die Folge: Schon bei einer Verschiebung von lediglich drei Bildern pro Sekunde geht der Zuschauer mit kräftigen Kopfschmerzen nach Hause.

So werden schon für die Fortsetzung (“Die Rache des Ungeheuers“ 1955) nur noch wenige 3D-Kopien ausgeliefert, zumal es große Probleme bei den 3D-Aufnahmen gibt und sich immer wieder die Kameras als nicht ausreichend wasserdicht erweisen. Bekommt die sympathische Gummiamphibie im zweiten Teil ein wesentlich breiteres Gesicht verpasst, wird es im dritten Teil (“Das Ungeheuer ist unter uns“ 1956) nach starken Verbrennungen und Notoperationen noch menschlicher. So steht es am Ende unverstanden und voller Sehnsucht am Meeresufer und kann doch – wie die kleine Meerjungfrau – nie wieder in sein Element zurückkehren.

Ein spannender Film, der von seiner stimmigen Atmosphäre lebt. Wunderschöne Schwarzweiß-Bilder und gelungene Unterwasseraufnahmen fesseln den Zuschauer auch noch 50 Jahre nach Erscheinen des Films. Und mit der Kreatur ist Jack Arnold ein Volltreffer gelungen. Der Kiemenmensch ist heute zu Recht eine Ikone des klassischen Horrorfilms.

Text: Andreas Hartung

Trailer:

The Creature of the Black Lagoon

Revenge of the Creature

The Creature Walks Among

Come little children

Anno 1693, Salem, Amerika. Die drei Sanderson Schwestern, Winifred, Mary und Sarah, sind Hexen wie aus dem Bilderbuch. Vorwiegend hässlich und abgrundtief böse. Einzig die jüngste des Hexentrios, Sarah (gespielt von Sarah Jessica Parker) besitzt ein verführerisches Puppengesicht. Sie vermag es, dem Rattenfänger von Hameln ebenbürtig, kleine Kinder mit Hilfe ihres engelsgleichen Lockgesangs zu ködern und in das Haus der Schwestern zu führen. Dort wird ihnen die Lebenskraft, zugunsten der Unsterblichkeit der Hexen, ausgesaugt.

Eine lange Zeit zelebrieren sie unbehelligt ihre finsteren Machenschaften, bis eines Tages auch die kleine Emily von den Sandersons entführt wird. Thackery Binx, Emily’s äterer Bruder, stellt sich ihnen mutig in den Weg und wird von den Hexen zur Strafe zum ewigen Leben als schwarzer Kater verdammt. Trotzdem decken die Bewohner Salems die Tat der Teufelsweiber auf und so sollen die Hexen unverzüglich gehängt werden. Bevor sie jedoch ihr Leben aushauchen, spricht Winifred, die fieseste der drei Sandersons (gespielt von Bette Midler), noch eine absichernde Verwünschung aus: Sollte an Halloween eine jungfräuliche Kreatur die schwarzflammige Kerze anzünden, werden die Hexen wiederauferstehen und Rache an ganz Salem nehmen.

I put a spell on you

Dreihundert Jahre später wird diese düstere Prophezeiung – wer hätte das gedacht – natürlich Wirklichkeit. Die Kerze wird aus Unwissenheit und Übermut entzündet. Bei der orakelten Jungfrau handelt es sich um Max Dennison, einen frisch nach Salem zugezogenen Teenager aus Los Angeles, mit kleiner Schwester, leutseligen Eltern und Kontaktproblemen. Die Schwestern aber treiben nun wieder ihr Unwesen und haben sich vorgenommen, sämtlichen Kindern von Salem an Halloween die Lebenskraft zu entziehen und die Stadt in ihre Gewalt zu bringen. Doch Max, seine Schwester Dani, der sprechende Kater Binx sowie Max’s heiß umworbene Flamme Allison und ein kauziger Zombie (Winifreds Ex-Verlobter) sagen ihnen den Kampf an. Wie die Sache ausgeht, ist sicher nicht so schwer zu erraten, oder?

1993 erhält der Film zum Kinostart zunächst eine Freigabe ab 6 Jahren, da Disney auf eine geschnittene Leinwandfassung besteht. Seit der Veröffentlichung auf DVD ist der Streifen jedoch glücklicherweise als ungekürzte FSK 12-Version zu genießen.

“Hocus Pocus” ist daher ein im Grunde familienfreundlicher Hexenspaß der schrillen Sorte, der den Zauber Halloweens in liebevoller Weise einfängt und im Spiel mit den Klischees dieses Festes fabelhaft zu unterhalten weiß, auch wenn die ganz kleinen Halloween-Geister sich noch nicht an ihm erfreuen können. Man sinkt gemütlich in die Couchkissen, schmunzelt über den ein oder anderen gelungenen Gag, lässt sich vielleicht für das nächste Halloween durch die bunten, sowie fantasievollen Kostüme inspirieren und wippt bei den unterhaltsamen Songeinlagen à la Midler & Co mit dem Fuß. Der Film ist turbulent, witzig, nicht allzu tiefgründig, jedoch mit guter Musik und netten Kulissen. Spannend, aber harmlos! Very Charming!

Text: Cornelia Weidmann

Es gibt Filme, die sind einfach anders. “Aktion Mutante” ist so ein Streifen. Da wird dem wohlwollenden Betrachter allein schon mittels eines komplett kranken Handlungsstrangs das Gehirn aufgeweicht. 1993 bringt Regisseur Alex de la Iglesia (”Perdita Durango”) dieses extrem eigenwillige Werk heraus. Es ist sein erster Film in Spielfilmlänge.

Von irrelevanten IQ’s, fanatischen Freimaurern und bedrohlichen Brustimplantaten

Die Story musst man sich auf der Zunge zergehen lassen. Im Jahr 2012 schließt sich eine Gruppe militanter Freaks zur “Aktion Mutante” zusammen. Der entstellte Ramon, dessen Gesicht zur Hälfte von einer schmucken Ledermaske verdeckt wird, ist der Anführer der Terrorzelle. Unterstützt wird er von den siamesichen Zwillingen Alex und Juan, sowie dem 50-fach vorbestraften Mechaniker José. Auch Cesar Ravenstein (was für ein Name) ist dabei, der ein 5-Kilo-Sprengstoff-Implantat in seiner Brust trägt. Dazu kommen noch der taube Gonzales, mit dem niedrigsten IQ der Welt, und Montero. Letzterer ist nicht nur homosexuell, bucklig und zwergwüchsig, sondern auch Jude, Freimaurer und Kommunist in Personalunion.

Bisher begnügte sich die Horror-Horde mit Anschlägen auf Spermabanken und Fitness-Studios. Doch der nächste und zugleich größte Coup dieses kuriosen Kollektivs ist schon geplant: Die schöne Patricia, Tochter des überaus reichen Bäckermeisters Orujo, soll entführt werden. Dass es die Truppe im Verlauf des Films auf einen entlegenen Planeten voller Triebtäter verschlägt, stellt nur die Spitze des Eisbergs dar.

Zugegeben, die darstellerischen Leistungen sind allenfalls durchschnittlich. Die Schauspieler sind hierzulande allesamt weitgehend unbekannt. Gut gefallen tun jedoch die Masken und Kostüme. Die düsteren Dekorationen und das abgefahrene Ambiente der Drehorte gehen in Ordnung. Ein Lob auch für die Musik. Die zumeist rockige Mucke von “Def con dos” fetzt über weite Teile ganz ordentlich. Besonders cool: Das berühmte Mission Impossible-Theme (von Lola Schifrin) kommt im Film bereits nach der ersten Szene zum Einsatz. Irgendwie lustig, wenn man dabei an Tom Cruise denkt…

Trailer (spanisch):

Text: Sascha Adermann

In Anlehnung an die erfolgreiche gleichnamige US-TV-Serie der 60er Jahre kommt 1991 der Film “Die Addams Family“ in die Kinos.

Familie Addams lebt wie eine ganz normale amerikanische Familie – zumindest hätten es die Eltern Gomez und Morticia Addams (Anjelica Houston, bekannt aus “Hexen hexen) gerne so.
Deshalb gehen die Kinder, Wednesday und Puxley, auch in eine normale Schule und darum halten sich die Addams sogar ein verschmustes und anhängliches Haustier – nämlich das eiskalte Händchen. Warum eiskalt? Vermutlich aufgrund des fehlenden wärmenden Blutflusses. Es handelt sich nämlich, wie sollte es bei den Addams auch anders sein, um ein abgehacktes kaltes Händchen!!
In der Schule eckt die kleine Wednesday mit ihrer morbiden, sarkastischen Art und den schwarzen Klamotten regelmäßig bei den Mitschülerinnen des Typs Cheerleader an, weshalb sie stets gemobbt wird.

Super-Sippe

Zur Sippschaft gehört auch Onkel Fester (Christopher Lloyd, bekannt aus “Zurück in die Zukunft“). Der trottelige Glatzkopf mit dem blassen Teint einer gefrorenen, hellhäutigen Leiche ist jedoch seit gut einem Vierteljahrhundert verschollen – im Bermuda-Dreieck.
Als der freakige Fester plötzlich wieder vor der Tür steht, freut sich der Anhang zunächst. Komisch nur, dass Onkel Fester wie ausgewechselt ist. Ob das an seiner neuen Flamme liegt? Und welche Rolle spielt dabei der Familienschatz im Keller? Nachtigall, ick hör dir trapsen …

Regisseur Barry Sonnenfeld hat mit der Grusel-Komödie (die Betonung liegt auf Komödie)  ausreichend Erfolg, um zwei Jahre später noch eine Fortsetzung zu drehen. “Die Addams Family in verrückter Tradition“ ist teilweise noch witziger und nimmt sich selbst noch weniger ernst, als der erste Teil. Sofern das überhaupt möglich ist. 1998 erscheint der dritte Teil “Die Addams Family und die lieben Verwandten“, jedoch in komplett anderer Besetzung und längst nicht so gut wie sein Vorgänger.

“Die Addams Family“ ist definitiv kindgerecht gemacht. Selbst die abgeschlagene Hand dürfte keine traumatischen Erinnerungen zur Folge haben. Insgesamt besticht der Film durch Witz und Charme der Addams, sowie die hübsche Gestaltung und Detailverliebtheit des Sets.

Text: Sascha Adermann, 2008

Mitte der Neunziger Jahre liegt das Horror-Genre am Boden. Durch völlige Ideenlosigkeit hat es sich selbst zu Tode recycelt. Titel wie “Freitag der 13.“ Teil 10 und “Nightmare on Elm Street“ Teil 7 sprechen Bände. Der Horrorfilm führt ein Schattendasein, die großen Studios haben nicht das geringste Interesse an solchen Streifen. Dann tut sich im Jahr 1996 ein junger Autor namens Kevin Williamson mit dem berühmten Horror-Regisseur Wes Craven zusammen und alles wird anders.  Der Film “Scream“ entsteht. Und der Horrorfilm ist wieder schwer angesagt.

Die Rückkehr der Spannung

Im Grunde genommen erfindet “Scream“ den Horrorfilm nicht neu. Schließlich gibt es auch hier nur einen maskierten Killer, der in der Kleinstadt Woodsboro Teenager tötet. Doch dieser Film bringt endlich den lang vermissten frischen Wind in das angestaubte Genre. So ist der Mörder beispielsweise keine untote Killermaschine, sondern ein „normaler“ Mensch.
Das Rätsel, wer von den Darstellern nun der Mörder war, nimmt fast die Züge eines Agatha Christie-Krimis an. Falsche Fährten und Verdachtsmomente steigern die Spannung, heben das Niveau des Films, fesseln den Zuschauer und regen zum Mitgrübeln an.

Drogen und Sex führen in den Tod

Die zweite Neuerung ist die Tatsache, dass die Charaktere weniger dumme Abziehbilder sind, als sonst innerhalb des Genres üblich. Die Sexbombe, die im Bikini blindlings in den dunklen Geräteschuppen stakst, sucht man vergebens. Viel mehr noch, die Protagonisten reflektieren das Geschehen und wissen aus Horrorfilmen, dass man sich nicht trennen sollte, dass Drogen und Sex immer in den Tod führen und so weiter. Das bringt einen realistischen Touch mit sich, der fast schon intelligent unterhält. Außerdem nimmt sich der Film auch nicht allzu ernst. So sieht der Hausmeister der Schule wie Freddy Krueger (Stichwort: rot-grün gestreifter Pullover) aus und wird auch noch vom Regisseur selbst gespielt.

Eigentlich sollte „Scream“ ursprünglich „Scary Movie“ (Gruselfilm) heißen. Nachdem aber der Filmausstatter eine Maske in einem Souvenirshop ersteht, die dem Bild „Der Schrei“ von Edvard Munch nachempfunden ist, entscheidet man sich für den jetzigen Titel „Scream“. „Scary Movie“ wird später als Titel für die Parodie auf “Scream“ genutzt.

“Scream“ bringt neben zwei Fortsetzungen auch noch eine wahre Flut an Nachahmungen hervor, wie etwa “Düstere Legenden“, “Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast“, “Flashback“ (aus Deutschland!), “Schrei, wenn du kannst“, “Sex oder stirb“ und und und. Wirklich zu empfehlen ist dabei nur die “Scream“ – Reihe, die bis zum dritten Teil einigermaßen niveauvoll bleibt.

Text: Sebastian Werner

Trailer:

Als Regisseur und Autor Wes Craven eines Tages einen Artikel über einen Teenager liest, der ohne ersichtlichen Grund im Schlaf stirbt, ist das für ihn die Initialzündung. Die Initialzündung zur Erfindung einer der zweifellos originellsten Figuren des Horror-Genres: Freddy Krueger, der ehemalige Hausmeister und verbrannte Massenmörder mit einer Hand aus Rasierklingen, der Menschen im Traum tötet.

Hausmeister mögen keine ungezogenen Gören

Story: In einer Irrenanstalt übernehmen eines Tages die Insassen das Kommando und vergewaltigen die Pflegerin Mimi Krueger. Sie treibt das Kind nicht ab und schenkt Frederick Charles Krueger, dem Nachkommen dieser Psychopathen, das Leben. Freddy wird ein Kindermörder, er wird gefasst, doch ein Justizfehler lässt ihn wieder auf freien Fuß kommen. Daraufhin nimmt ein wütender Mob aus verzweifelten Eltern die Sache selbst in die Hand und verbrennt ihn im Heizraum der Schule. Einige Jahre später kehrt Freddy Krueger zurück und tötet all die Kinder, deren Eltern für seinen Tod verantwortlich sind, in ihren Träumen.

Töten in der Traumwelt, Sterben im Schlaf – angenehme Alpträume!

Schon dieser Kunstgriff, Freddy in einer fiktiven Traumwelt töten zu lassen, macht ihn unheimlicher als viele andere Schlitzer der Horror-Geschichte. Schließlich gibt es dort keine Gewissheit, keine Vertrautheit, keine Werte und Normen. Dort kann es immer anders sein: Ob Spukhaus, kilometerlanger Gang oder verlassene Stadt. Eine Umgebung ohne Gesetzmäßigkeiten der realen Welt, aus der es kein Entkommen, aber Millionen von Folter- und Todes-Möglichkeiten gibt. Das erschafft eine erdrückende Atmosphäre. Legendär sind dabei auch die spielenden Kinder, die in Freddys Welt immer ihren quälenden Kinderreim: „Eins zwei – Freddy kommt vorbei…“ singen. Weiterhin ist es Freddy auch möglich, origineller zu töten, als seine Horror-Kollegen. Weil er in seiner Welt der Herrscher ist, kann er mit seinen Opfern alles tun, was er will. In Teil 6 dreht er einem Opfer beispielsweise das Hörgerät so weit auf, dass ihm bei einem lauten Geräusch der Kopf platzt. Dafür lieben ihn die Fans. Das Freddy eine Art Popstar des Genres geworden ist, liegt auch an einem weiteren großen Unterschied zu den anderen Kollegen. Während die nämlich meist nur tumbe Maskenträger sind, die wortlos alle abschlachten, die sie treffen, kann Freddy mit seinen Opfern kommunizieren. Er verhöhnt sie, lässt meist noch einen zynischen Satz los, nachdem er sie erledigt hat und ist damit als Charakter deutlich greifbarer und markanter.

Wir empfehlen euch in jedem Fall den ersten Teil der Reihe, in dem auch Johnny Depp sein Spielfilm-Debüt gab. Ebenfalls gut gelungen ist Teil 3, der in einer Psychiatrie spielt und neben einer sehr dichten Atmosphäre einige originelle Traumsequenzen bietet. Eher schwarze Komödie als Horror ist der aktuellste Teil der Serie „Freddy vs. Jason“, der ein Fest für jeden Horrorfilmfan ist, weil er gängige Klischees des Genres genüsslich auf die Schippe nimmt.

Text: Sebastian Werner, 2008

Trailer:

Haddonfield 1963, Halloween. Der sechsjährige Michael Myers tötet seine 17-jährige Schwester brutal mit dem Küchenmesser, nachdem diese Geschlechtsverkehr mit ihrem Freund hatte und sich nun nackig vor dem Spiegel die Haare kämmt. Anschließend verschwindet er für 15 Jahre in einer geschlossenen Anstalt, in der sein Psychiater Dr. Loomis acht Jahre lang versucht, Kontakt mit ihm aufzunehmen und die nächsten sieben Jahre bemüht ist, zu verhindern, dass Michael Myers jemals wieder freikommt. Zu Recht, wie sich zeigt, als der nunmehr 21-jährige Myers bei einem Überführungsversuch türmt, um in Haddonfield blutige Rache zu nehmen.

Die Mutter aller Slasher-Filme

“Halloween“ von John Carpenter ist gewissermaßen die Mutter aller Slasher-Filme und damit Wegweiser jenes speziellen Horrorgenres, in dem maskierte Psychopathen (nicht selten unbekleidete) Teenager aufschlitzen. Der Film vereinigt viele der typischen Klischees in reinster Form und paart sie mit filmischer Brillanz, wie sie viele der nachfolgenden Filme und Epigonen deutlich vermissen lassen.

Carpenter bringt als einer der ersten Regisseure den Horror in die heile amerikanische Vorstadt. Nicht in gotischen Gemäuern finden die Bluttaten statt, sondern direkt nebenan – in der Nachbarschaft. Ebenso neu ist, dass der Täter kein nachvollziehbares Motiv hat. Ist Michael Myers am Beginn “nur“ ein kleiner psychopathischer Junge, wird er im Laufe des Filmes zum gesichtslosen und übermenschlichen schwarzen Mann – zum absolut seelenlosen Bösen. Und den schwarzen Mann kann man nicht töten, wie der kleine Junge  ganz richtig bemerkt, nachdem Jamie Lee Curtis (als Laurie Strode) ihm versichert, der schwarze Mann wäre jetzt tot. Und so steht Myers allein in “Halloween 1“ dreimal wieder auf, nachdem er eigentlich schon tot am Boden liegt.

„Benimm dich, Kind!“

Eine Überlebenschance hat dabei nur, wer sich im moralisch-konservativen Sinne richtig verhält.
Und so ist das brave Kindermädchen Laurie, welche allein schon beim Gedanken mit einem Jungen zu Tanzen hysterisch wird und beim Rauchen Hustenanfälle bekommt, dann auch die einzige Überlebende, während ihre lebenslustigen Freundinnen dem Killer wehrlos ausgeliefert sind. Diese Parameter beachtend, wirkt der Film wie ein modernes Warn- und Schreckmärchen. Sozusagen Rotkäppchen für die verzogenen Kinder der 68er Generation.

Der nachfolgende, zweite Halloweenfilm von Rick Rosenthal erzählt drei Jahre später die Nacht des Grauens genau an der Stelle weiter, an der Teil 1 endet. Die Schreckensnacht ist für Laurie also noch nicht vorbei. Die Zahl der Opfer ist wesentlich höher und die Morde sind brutaler dargestellt. Eigentlich soll dies der letzte Auftritt von Michael Myers sein. Carpenter plant, die Halloweenreihe mit unterschiedlichsten Geschichten und Charakteren weiterzuführen. Nach dem kolossalen Flop von “Halloween 3“ darf fortan wieder Michael das Küchenmesser schwingen.

Für den heutigen geübten Horrorfan ist der niedrige Bodycount und die lange atmosphärische Anlaufphase sicher ungewohnt. Aber wer sich darauf einlässt, kann in einem äußerst  bedrohlichen und Furcht einflößenden Film versinken, der dazu mit einem äusserst prägnanten Soundtrack (wie so oft von Carpenter selbst komponiert) aufwartet.

Text: A. Hartung

Trailer:

Was machen assimilationsliebende Außerirdische an einer x-beliebigen amerikanischen Highschool? Ihren Abschluss? Wohl kaum! Zumindest nicht, wenn Robert Rodriguez (“El Mariachi“, “Desperado“, “From Dusk Till Dawn“, “Sin City“) Regie führt… Lehrkörper oder Leerkörper, das ist hier die Frage!

Die Herrington High School ist eine gewöhnliche Schule im Mittleren Westen Amerikas. Eines Tages findet Casey (Elijah Wood) auf dem Schulgelände einen unbekannten und überaus aggressiven Organismus. Als Heim(scheißer)chen und Hobbyforscher in Personalunion ist er prädestiniert für solche skurrilen Entdeckungen. Zunächst träumt er noch von Auszeichnungen und Anerkennung. Bald mehren sich jedoch die Anzeichen, dass innerhalb der Lehranstalt etwas nicht stimmt. Zum einen steigt der Wasserverbrauch plötzlich enorm an, zum anderen verhält sich das Kollegium zunehmend seltsam. Warum braucht der Football-Coach (Robert Patrick) ausgerechnet ihn, den wohl unsportlichsten Pennäler, unbedingt beim Training? Obendrein werden Schüler immer häufiger ohne ersichtlichen Grund zu Gesprächen unter vier Augen gerufen. Die Betroffenen erscheinen danach wie ausgewechselt.

Highschool High

Zusammen mit einer Gruppe von anderen misstrauischen Jugendlichen geht Casey der Sache auf den Grund. Es sei an dieser Stelle nur kurz nebenbei erwähnt, dass sich die Combo fast nur aus Sonderlingen und Eigenbrötlern zusammensetzt. Jeder pseudo-psychologische Interpretationsversuch ist dabei irrelevant – sind halt alles Spinner, denen keiner glaubt und die eigentlich keiner mag. Selbst der gefragte Zeke (Josh Hartnett), der auf dem Schulhof mit selbst gepanschten, synthetischen Drogen in Kugelschreibern handelt, ist eigentlich ein Einzelgänger.

Bald wächst auch das Misstrauen innerhalb der Crew, da es den Außenseitern sowieso grundsätzlich schwer fällt, Vertrauen aufzubauen. Nicht zuletzt dadurch erkennen die Jugendlichen erst im weiteren Verlauf des Films das wahre Ausmaß der Katastrophe.

Robert Rodriguez ist mit “Faculty – Trau keinem Lehrer“ ein unterhaltsamer Teenager-Horrorfilm gelungen. Der US-Amerikaner, mit mexikanischen Wurzeln, fesselt Dich mithilfe der dichten Atmosphäre, die er dem Drehbuch von Kevin Williamson filmisch gekonnt entlockt. Die Spannung steigt beinahe unaufhörlich, bis endlich der finale Showdown ansteht.

Text: Sascha Adermann

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